Groucho Marx

Julius Henry Marx, es el nombre de Groucho Marx (nacio en Nueva York, un 2 de octubre de 1890 - fallecido en Los Ángeles, 19 de agosto de 1977) fue un actor, comediante de circo y escritor estadounidense, conocido principalmente por ser uno de los miembros de los Hermanos Marx. Creció en en el seno de una familia pobre de inmigrantes alemanes judíos. Su madre era Miene (Minnie) Schoenberg (1864-1929) que emigró a Estados Unidos desde Alemania junto a sus padres y sus hermanos. Su padre era Simon (Samuel) Marx (nacido como Marrix) (1860-1933), inmigrante alemán, nacido en Alsacia cuando formaba parte de Francia y anexada posteriormente al Imperio Alemán en 1871, con lo que Samuel pasó de ser ciudadano francés a ciudadano alemán.

Groucho debutó en el mundo del espectáculo a los 15 años como cantante solista. Pasado algún tiempo comenzó a actuar junto a sus hermanos en el vodevil y el circo, primero en tríos o cuartetos musicales y finalmente en revistas. La obra Cocoanuts, interpretada de 1925 a 1928, dio a los Marx su oportunidad en Broadway. A raíz de este éxito, y tras olvidar su infructuoso rodaje de una primera y perdida película muda del año 1921 llamada "Humor Risk", firmaron un acuerdo con la productora de cine Paramount, con la que hicieron varias películas de moderado éxito, como "Los cuatro cocos", "Plumas de caballo" y "Sopa de ganso", entre otras. Tras salir de la Paramount, y gracias al productor Irving G. Thalberg, los hermanos Marx comenzaron a trabajar con la Metro Goldwyn Mayer, de donde rodaron sus mejores películas como "Una noche en la ópera" y "Un día en las carreras". En los 50 cada uno de los tres hermanos continuó trabajando independientemente en radio, televisión y cine, siendo Groucho el que más éxito cosechó, gracias a su faceta como escritor y sobre todo gracias a su programa televisivo "Apueste su vida", con el que se hizo realmente famoso en los Estados Unidos entre una generación de personas que nunca lo habían visto en el teatro y que apenas lo conocían de alguna de sus viejas películas. Groux Marx dejo su vis cómica famosa como recuerdo así como sus absurdas frases sin sentido, falleció en Los Ángeles a causa de una neumonía, dejando atrás tres ex-esposas, Ruth, Kay y Eden, tres hijos, Arthur, Miriam y Melinda, 18 películas, 14 de ellas junto a sus hermanos, y millones de admiradores. Una de sus célebres frases fue: "No deseo pertenecer a ningún club que acepte como socio a alguien como yo". Groucho Marx fue incinerado, sus cenizas se guardan en el Eden Memorial Park, siendo falso el epitafio "Perdonen que no me levante" que popularmente se creía que estaba en su tumba.Una estrella judia esta en su nicho. Las Películas de los cuatro Hermanos Marx Humor Risk (1921) (sólo se conservan unos pocos fragmentos) Los cuatro cocos (1929) El conflicto de los Marx (1930) Pistoleros de agua dulce (1931) Plumas de caballo (1932) Sopa de ganso (1933) Películas de los tres Hermanos Marx (sin Zeppo el alto y estirado del grupo) Una noche en la ópera (1935) Un día en las carreras (1937) El hotel de los líos (1938) Una tarde en el circo (1939) Los Hermanos Marx en el Oeste (1940) Tienda de locos (1941) Una noche en Casablanca (1946) Amor en conserva (1949) La historia de la humanidad (1957) (aparecen por separado, no se considera una película propia de los Hermanos Marx) Películas en solitario Las gafas redondas, las cejas gruesas, el bigote y el habano. Copacabana (1947) de Alfred E. Green Double Dynamite (1951) Una mujer en cada puerto (1952) Will Success Spoil Rock Hunter? (1957) The Mikado (TV) (1960) Skidoo (1968) Con los años y tras faltarnos Grucho con sus gafas y bigote se convirtió en un icono de la talla de Marilym o James Dean.

Olivia de Havilland.

Una famosa actriz y dama de la escena hermana de Joan Fontaine aunque desconocido por su  mala relación desde su juventud, entre ello por la carrera de conseguir el Oscar. A Olivia todo el mundo la recordara con Lo que el viento se llevo.

 Nacio en Tokio, Japón; 1 de julio de 1916 es una actriz estadounidense de origen británico ganadora de dos premios Óscar, y una de las estrellas de Hollywood más admiradas de la década de los años cuarenta.

Vida personal: Es la hija primogénita de padres británicos, Walter de Havilland, abogado que ejercía en Japón, y Lillian Fontaine, actriz.  A causa de una salud debilitada, y tras la separación de sus padres, se traslada con su madre y su hermana a los Estados Unidos, a California, donde cursa sus estudios. En el año 1946 se casó en primeras nupcias con el novelista Marcus Goodrich, del que se divorciaría en 1953 y con el que tuvo un hijo, Benjamín, que moriría en el año 1991. En 1955 se casó por segunda vez con Pierre Galante, con quien tuvo una hija, y del que se divorciaría en 1979, manteniendo una buena amistad hasta el punto de cuidarle hasta su muerte en París, en el año 1998. Desde los años 1950 reside en París aunque es poco conocido. Sus comienzos en la escena Max Reinhardt se fijó en ella en una representación teatral universitaria, en El sueño de una noche de verano, y que la representaría en el Hollywood Bowl. Reindhardt decidió llevarla al cine, y la dirigirá en la película homónima, para la Warner Brothers, en el año 1935. A partir de este momento, formó parte de un equipo consolidado en la Warner, con el singular Errol Flynn como pareja y Michael Curtiz como director. Junto con Errol Flynn protagonizó 7 películas taquilleras que la consolidan como estrella, aunque siendo de temática muy distinta, ella siempre representaba el mismo personaje, de amada del aventurero, fiel seguidora del héroe. Algunas de estas películas fueron El capitán Blood (1935), La carga de la brigada ligera (1936), Robin de los bosques (1938) o Dodge, ciudad sin ley (1939).   Se convierte en estrella Los años 1940 fueron los más importantes de su carrera, ya que protagonizó grandes películas Vida íntima de Julia Norris, de Mitchell Leisen, en 1947 y La heredera, de William Wyler, en 1949, junto a Montgomery Clift, que le supondrían los dos Óscar de su carrera. Sin embargo, en el año 1939 ya había interpretado uno de los papeles que más importancia y reconocimiento le depararía a nivel mundial, el de Melanie Hamilton en Lo que el viento se llevó (1939), por el que consiguió una nominación a los Óscar como mejor actriz secundaria ese mismo año, aunque el premio se lo llevó su compañera de reparto, Hattie McDaniel, que interpretaba el papel de Mami y fue la primera actriz afroamericana en conseguirlo. En el año 1941 fue de nuevo nominada al Óscar a la mejor actriz principal por su papel en Si no amaneciera, pero esta vez fue su hermana, Joan Fontaine, nominada por Sospecha, de Alfred Hitchcock la que se lo llevó. La mala relación que mantenían las hermanas pudo apreciarse en la entrega de los Óscar, cuando Joan rechazó las felicitaciones de Olivia al subir a recoger su galardón. A pesar de que los años 1940 fueron los mejores de su carrera, en esta época tuvo un problema judicial con la Warner, ya que ella se quejaba de que los papeles que le proporcionaban no tenían ningún valor artístico, y pensaba que los mejores papeles se los cedían siempre a Bette Davis, y entonces el estudio, en represalia, no le concedió ningún papel durante 6 meses. Olivia los demandó cuando intentaron prorrogar su contrato de siete años alegando que les debía esos 6 meses como castigo. Ella ganó la demanda, pero estuvo casi 3 años sin trabajar. La década de los 50 A partir de los años 1950, sus papeles se van distanciando cada vez más. De esta última etapa de su carrera, sus papeles más importantes fueron No serás un extraño (1955), de Stanley Kramer, La noche es mi enemiga (1959), de Anthony Asquit, y Canción de cuna para un cadáver (1964), de Robert Aldrich. En 1955 encarnó a una noble española, la polémica Princesa de Éboli, en una película dirigida por Terence Young. Últimos trabajos y su declive. Dejó de lado el cine a partir de los años 1960, y se dedicó al teatro y la televisión, que emergía en aquellos tiempos, trabajando a lo largo de esta década en varias series para este medio. Desde los años setenta, ha vivido prácticamente recluida, y una de sus últimas apariciones fue como presentadora de uno de los premios de la 75 edición de los Óscar, en el año 2003. Filmografía Elibi Ike (1935) El predilecto (1935) El sueño de una noche de verano (1935) El capitán Blood (1935) La carga de la brigada ligera (1936) Robin de los bosques (1938) Dodge, ciudad sin ley (1939) Lo que el viento se llevó (1939) La vida privada de Elisabeth y Essex (1939) Camino de Santa Fe (1940) Si no amaneciera (1941) Murieron con las botas puestas (1941) Como ella sola (1942) Predilección (1945) Vida íntima de Julia Norris (1946) A través del espejo (1946) Nido de víboras (1948) La heredera (1949) Mi prima Raquel (1952) La Princesa de Éboli (1955) No serás un extraño (1956) La hija del embajador (1956) El rebelde orgulloso (1958) La noche es mi enemiga (1959) Canción de cuna para un cadáver (1964) Aeropuerto 77 (1977) El enjambre (1978) Anastasia (1986) Premios Premios Óscar Año Categoría Película Resultado 1949 Mejor Actriz La heredera Ganadora 1948 Mejor Actriz Nido de víboras Candidata 1946 Mejor Actriz Vida íntima de Julia Norris Ganadora 1941 Mejor Actriz Si no amaneciera Candidata 1939 Mejor Actriz de Reparto Lo que el viento se llevó Candidata Globos de Oro Año Categoría Película Resultado 1986 Mejor Actriz de Reparto de serie, miniserie o telefilme Anastasia: The Mystery of Anna Ganadora 1952 Mejor Actriz - Drama Mi prima Raquel Candidata 1949 Mejor Actriz - Drama La heredera Ganadora

Jerry Lewis, el clown de la risa.

Nadie duda de este actor que aun nos vive que es uno de los mejores cómicos de la historia.

Hijo de padres judíos, Lewis nació en Newark, en el estado de Nueva Jersey. Sus padres trabajaban en el mundo del espectáculo y el pequeño Lewis ya cantaba en giras cuando tenía sólo cinco años. Dejó el colegio un año antes de terminar sus estudios, y se dedicó a practicar la interpretación, simulando detrás de los escenarios que hablaba o cantaba moviendo la boca en consonancia. Una pareja exitosa A finales de los años 40 y principios de los 50, Lewis formó pareja con Dean Martín, "Dino", resultando esta unión en uno de los dúos cómicos más exitosos de la historia del cine que terminaría de no muy buenas formas. Su sentido del humor, si bien reconoce raíces en el dúo de Abbot y Costello, era especial y diferente a lo visto hasta entonces. Los dos llevaban las situaciones a extremos maníacos y absurdos, lo que impactó fuertemente en un segmento importante del público, aunque que no a todos les agradó este tipo de comedias. Su debut lo hicieron en 1949 de la mano del productor Hal Wallis, en la película My Friend Irma. A esta película siguió una secuela, y otras varias durante los siguientes seis años, en los que Lewis y Martin permanecieron juntos. Si bien es cierto que hubo un grado de amistad entre Martin y Lewis, Martin usaba a Lewis para escalar dentro del ambiente hollywoodense y mientras el ego de Lewis iba creciendo debido a que Martin no podía robar cámara a Lewis, la ruptura era cada vez más inminente, hasta que se separaron abruptamente en 1956. Sólo veinte años después y gracias a la intervención de Frank Sinatra (un amigo en común) el dúo haría las paces en el Telethon de Jerry Lewis. En 1957, tras la separación con Dean Martin, Lewis interpretó su primera película en solitario, The Delicate Delinquent, en la que demostró que podía triunfar sin la participación de un compañero. En los siguientes años intervino en una serie de películas que fueron todas ellas grandes éxitos de taquilla. Después de esta larga experiencia en el cine Lewis quiso también dirigir, y realizó en 1960 el filme The Bellboy, rodado en un hotel de lujo en Miami donde se producen numerosas situaciones cómicas. A partir de entonces Lewis fue alternando entre películas concebidas y dirigidas por él mismo, y otras en las que se limitaba a actuar. La película de esa época, The Nutty Profesor de 1963, fue considerada por la crítica francesa como su mejor película. Sin embargo, los críticos de otros países comenzaron a opinar que Lewis estaba cayendo en el error de considerarse a sí mismo infalible en sus actuaciones. Tal vez coincidió que el público ya estaba algo cansado de los gags de Lewis, que últimamente eran exagerados y se repetían de una u otra forma. La buena estrella del actor comenzó a declinar, y sus películas ya no tuvieron el éxito acostumbrado en taquilla lo que se observo en el ceniciento. El Show de Jerry Lewis A la vista de esta situación, Lewis probó en televisión, donde se emitió un show de dos horas los sábados por la noche. También aquí la forma que el programa se hizo fracasó y tuvo que ser retirado de la programación. Lewis hizo una película más en 1970, pero después se retiró del cine durante diez años. Durante ese tiempo apareció en un programa de televisión que duró dos años y en espectáculos en directo, entre ellos en Las Vegas. Sin embargo, aquello por lo que cosechó mayor popularidad fue su trabajo desinteresado por la Asociación Americana de Distrofia Muscular. El año 1980 marcó su vuelta al cine. Intervino en varias películas, algunas más serias que de costumbre, y con directores y actores co-protagonistas importantes, como Martin Scorsese y Robert De Niro. Ello le llevó a actuar también en películas de televisión, y a convertirse nuevamente en un actor solicitado. En 1991 debutó incluso en Broadway, en la reedición de la obra Damn Yankees, en la que interpretó al diablo, papel por el que cosechó un éxito notable. Con los años, Lewis ha sido reivindicado por público y parte de la crítica, la que no puede soslayar que el cómico ha sido el referente de exitosos comediantes contemporáneos que nadie ha igualado con el paso del tiempo, en tanto fue el precursor del gag físico y desmesurado, creador de sus propias rutinas y hacedor de un estilo visual a veces sutil y otras sobreexpresivo. Lewis se casó dos veces, la primera en 1944. Después de 38 años el matrimonio se divorció. De su primera esposa tiene cinco hijos, y adoptaron uno más, destacando su hijo Gary que durante la mitad de la década de 1960 tuvo una serie de éxitos importantes en el Hit Parade con el grupo Gary Lewis & The Playboys. Se volvió a casar en 1983, y adoptó con su segunda esposa una hija. El teletón de Jerry Lewis La primera teletón del actor Jerry Lewis fue el año 1966, a beneficio de la Asociación de la Distrofia Muscular (MDA), el Día del Trabajo. Jerry Lewis es considerado el padre de la teletón. Fue un evento televisado por un canal de televisión de Nueva York y recaudó más de $1 millón de dólares. Con los años creció sostenidamente y en los 70 ya participaban 65 estaciones en todo Estados Unidos. Hoy en día, la maratón televisiva de recaudación de fondos dura 21,5 horas y reúne a 200 estaciones de “MDA Love Network”. Se ha transformado en una tradición en el Día del Trabajo para 60 millones de televidentes estadounidenses. Con el correr de los años y el deterioro de su estado de salud, Lewis sólo podría presentar los bloques de apertura y cierre del evento dejando el resto para otros presentadores invitados. El 16 de mayo del 2011 anunció públicamente que la próxima edición del MDA Telethon, a realizarse el domingo 4 de septiembre, será la última que presente después de 46 años. Esto será en una emisión excepcional de 6 horas en vez de las 21 horas y 30 minutos de todos los años anteriores. Filmografía: Nutty Professor II: The Klumps productor ejecutivo (2000) The Nutty Professor productor asociado (1996) Funny Bones (1995) Arizona Dream (1993) Mr. Saturday Night (1992) Cookie (1989) Fight for Life (1987). Televisión How Did You Get In? We Didn't See You Leave (1984) To Catch a Cop (1984) Cracking Up (1983) * The King of Comedy (1983) Slapstick (Of Another Kind) (1982) Rascal Dazzle (1980). Documental. Hardly Working (1980) The Day the Clown Cried (1972). Inacabada. Which Way to the Front? (1970) One More Time (1969).Sólo director. Hook, Line & Sinker (1969) Silent Treatment (1968) Don't Raise the Bridge, Lower the River (1967) The Big Mouth (1967) Way... Way Out (1966) Three on a Couch (1966) Boeing Boeing (1965) The Family Jewels (1965) The Disorderly Orderly (1964) The Patsy (1964) Who's Minding the Store? (1963) El profesor chiflado (1963) It's Only Money (1962) The Errand Boy (1961) The Ladies' Man (1961) Raymie (1960). Canta la canción de los títulos. Cinderfella (1960) El Botones (1960) Visit to a Small Planet (1960) Don't Give Up the Ship (1959) Li`l Almer (1959). Paseador de perros, no acreditado The Geisha Boy (1958) Rock-a-Bye Baby (1958) The Sad Sack (1957) The Delicate Delinquent (1957) Hollywood or Bust (1956) Pardners (1956) Artists and Models (1955) You're Never Too Young (1955) Jerrico, the Wonder Clown (1954) Living It Up (1954) Money from Home (1954) The Caddy (1953) Scared Stiff (1953) The Stooge (1953) Road to Bali (1952) Jumping Jacks (1952) Sailor Beware (1952) That's My Boy (1951) At War with the Army (1950) My Friend Irma Goes West (1950) How to Smuggle a Hernia Across the Border (1949) My Friend Irma (1949) Premio 2008 Humanitario Jean Hersholt.

Recordando a Varinia, Jean Simons.

Jean Merilyn Simmons, fallecio en Santa Mónica, California, el 22 de enero de 2010.
Nacida en el barrio londinense de Crouch Hill el 31 de enero de 1929, desde niña quiso ser actriz y consiguió debutar en el cine pronto, apareciendo en la película Give us the moon (1944), de Val Guest y Caryl Brahms.

Su fama en el Reino Unido se hizo reconocible gracias a su intervención en la película de David Lean Cadenas rotas (Great Expectations, 1946).
A partir de entonces, sus apariciones se multiplicarían en filmes como César y Cleopatra (Caesar and Cleopatra, 1946) de Gabriel Pascal, Narciso negro (Black Narcissus, 1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger, y sobre todo, con su interpretación de Ofelia en Hamlet (1948), la adaptación de la obra de William Shakespeare dirigida y protagonizada por Laurence Olivier. Este papel le valió a Jean Simmons la candidatura al premio Oscar de 1948 a la mejor actriz de reparto y la película recibió varios de a los que optaba.

   Esa nominación hizo de Jean Simmons una actriz atractiva para las superproducciones estadounidenses. En 1950, su popularidad aumentó aún más cuando se casó con Stewart Granger. Este matrimonio duró hasta 1960.
   En la década de 1950, Jean Simmons empezó a ser habitual en las producciones hollywoodienses, destacando sus participaciones en Androcles y el león (1952) de Chester Erskine con Victor Mature, Cara de ángel (1953) de Otto Preminger, La túnica sagrada junto a R.Burton (1953) de Henry Koster, Sinuhé, el egipcio (1954) de Michael Curtiz un filme sobre como vivían en el antiguo Egipto, Desireé (1954) de Henry Koster, o Ellos y ellas (1955) de Joseph L. Mankiewicz. Destacan especialmente Horizontes de grandeza (1958) de William Wyler y Espartaco, de Stanley Kubrick donde se la recordará siempre como mujer del rebelde Kirk Douglas y siendo perseguida por Charles Laughton,Peter Ustinov y Laurence Olivier.
En 1960 se casó tras su divorcio con el director Richard Brooks. Su esposo la dirigió en una de sus mejores películas: El fuego y la palabra (1960) sobre los falsos predicadores junto a Burt Lancaster que gano su Oscar por el papel, y posteriormente la volvería a dirigir en 1969 en Con los ojos cerrados, por el que Jean fue candidata al Premio Oscar, en la categoría de mejor actriz principal.
   En la década de 1970, comienza su declive cinematográfico y fue apartándose del cine para dirigir sus pasos profesionales hacia la televisión. Así, los papeles de la actriz británica serían recordados en series como Norte y sur o El pájaro espino. La interpretación en esta última le valdría un premio Emmy. Todavía a principios de la década de 2000, seguía trabajando esporádicamente, aportando su voz a películas de animación.
Murió de cáncer de pulmón el 22 de enero de 2010 a los 80 años, en su hogar de Santa Mónica, California.

Su Filmografía

Sports Day (1944) Give Us the Moon (1944), de Val Guest y Caryl Brahms. Mr. Emmanuel (1944) Kiss the Bride Goodbye (1945) Meet Sexton Blake (1945) The Way to the Stars (1945) César y Cleopatra (Caesar and Cleopatra) (1946) de Gabriel Pascal Cadenas rotas (Great Expectations) (1946), de David Lean. The Woman in the Hall (1947) Uncle Silas (1947) Narciso negro (Black Narcissus) (1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger. Hungry Hill (1947) Hamlet (Hamlet) (1948), de Laurence Olivier. La isla perdida (The Blue Lagoon) (1949) de Frank Launder. Adán y...ella (Adam and Evelyne) (1949) de Harold French. Extraño suceso (So Long at the Fair) (1950), de Antony Darnborough y Terence Fisher. Coacción (Cage of Gold) (1950), de Basil Dearden. El torbellino de la vida (Trio) (1950), de Ken Annakin. Trágica obsesión (The Clouded Yellow) (1951), de Ralph Thomas. Androcles y el león (Androcles and the Lion) (1952) de Chester Erskine. Cara de ángel (Angel Face) (1953) de Otto Preminger. La reina virgen (Young Bess) (1953) de George Sidney Entre dos mujeres (Affair with a Stranger) (1953), de Roy Rowland. La túnica sagrada (The Robe) (1953) de Henry Koster. La actriz (The Actress) (1953), de George Cukor. Guapa pero peligrosa (She Couldn't Say No) (1954) Sinuhé, el egipcio (The Egyptian) (1954) de Michael Curtiz. Demetrio y los gladiadores (Demetrius and the Gladiators) (1954), de Delmer Daves. Una bala en camino (A Bullet Is Waiting) (1954), de John Farrow.

Desireé (Desireé) (1954) de Henry Koster. Pasos en la niebla (Footsteps in the Fog) (1955) de Arthur Lubin. Ellos y ellas (Guys and Dolls) (1955) de Joseph L. Mankiewicz. Hilda Crane (1956) This Could Be the Night (1957) Mujeres culpables (Until They Sail) (1957), de Robert Wise. Horizontes de grandeza (The Big Country) (1958), de William Wyler. Después de la oscuridad (Home Before Dark) (1958), de Mervyn LeRoy. Esta tierra es mía (This Earth Is Mine) (1959) de Henry King. El fuego y la palabra (Elmer Gantry) (1960), de Richard Brooks. Espartaco (Spartacus) (1960), de Stanley Kubrick. Página en blanco (The Grass Is Greener) (1960) de Stanley Donen. All the Way Home (1963) Vivir en la cumbre (Life at the Top) (1965), de Ted Kotcheff. La mujer sin rostro (Mister Buddwing) (1966), de Delbert Mann. El novio de mi mujer (Divorce American Style) (1967), de Bud Yorkin. Noche de titanes (Rough Night in Jericho) (1967),de Arnold Laven. Heidi (1968) Con los ojos cerrados (The Happy Ending) (1969), de Richard Brooks. El joven y la cuarentona (Say Hello to Yesterday) (1971),de Alvin Rakoff. Mr. Sycamore (1975) Dominique (Dominique) (1978), de Michael Anderson. La maldición de los Dain (The Dain Curse) (1978), de E.W. Swackhamer. Sensibilidad y sentido (Sensibility and Sense) (1978), de David Hugh Jones. Conducta confidencial (Yellow Pages) (1988), de James Kenelm Clarke. Reencuentros (Angel Falls) (1993), de Joyce Chopra. Donde reside el amor (How to Make an American Quilt), de Jocelyn Moorhouse. Con su propia ley (1998) (Her Own Rules) de Bobby Roth. Final Fantasy: La fuerza interior (2001) (Final Fantasy: The Spirits Within), de Hironobu Sakaguchi (voz). Jean Simmons: Rose of England (2004) (documental) El castillo ambulante (Hauru no ugoku shiro) (2004), de Hayao Miyazaki (voz).

Nominaciones al Emmy

Año	Categoría	Serie	Capítulo	Resultado
1983	Primetime Emmy a la mejor actriz de reparto - Miniserie o telefilme	El pájaro espino	TV Film	Ganadora
1984	Primetime Emmy a la mejor actriz de reparto - Miniserie o telefilme	Se ha escrito un crimen	Mirror, Mirror on the Wall: Part 1	Nominada

In memorian Cristopher Reeve

Nacido en Nueva York, un 25 de septiembre de 1952 y fallecido en Mount Kisco, un 10 de octubre de 2004 a los 52 años, fue un actor, director de cine y activista estadounidense, conocido por su papel en filmes basados en el popular personaje de cómics Superman.

Tras debutar en Broadway en 1976, en la obra A Matter of Gravity junto a Katharine Hepburn, Reeve obtuvo el rol del villano Ben Harper en la adaptación de la novela For Love or Life y un papelillo en Gray lady down. Tras actuar en obras de Broadway que lo satisfacían como actor, pero no económicamente, Reeve pensó en dejar la actuación y trabajar junto a su padre, de payaso, hasta que logró obtener el papel de Superman y Clark Kent en la película de Richard Donner "Superman", haciendo creíble el eslógan de la campaña de publicidad, el cual decía "Creerás que un hombre puede volar".

Convertida la pelicula en un éxito de taquilla y convertido rapidamente en una estrella, Christopher Reeve rodó otras tres secuelas de la saga: Superman II en 1980, Superman III en 1983 y Superman IV en 1987, la menos conocida y exitosa de la serie con un superman ecologista.

En 1979, actuó junto a Jane Seymour en Somewhere in Time, que no fue un éxito de taquilla pero se convirtió en una cinta de culto. En 1982, actuó en dos cintas controvertidas: Death Trap basada en una famosa pieza teatral y Monsignor donde interpretó a un sacerdote que mantiene una relación amorosa con la esposa de su hermano, un oficial nazi.

Aunque recibió buenas críticas por su trabajo en "Las Bostonianas" de James Ivory y como el Conde Bronski en Anna Karenina, gran parte de sus esperanzas estaban cifradas en "Street Smart", donde encarnaba a un inescrupuloso reportero que inventaba noticias para ganar fama. La cinta fue ignorada y los críticos no determinaron su actuación, enfocándose más en su compañero, Morgan Freeman, quien fue nominado a un Oscar por este papel en 1988.

Tras pasar una temporada dedicado a filmes de televisión, Reeve volvió a la pantalla grande en 1993, como el Senador Jack Lewis en el filme Lo que queda del día, donde la crítica lo reconoció como un actor hábil y recursivo que sirvió de apoyo a los estelares del filme, Anthony Hopkins y Emma Thompson.

En 1994, actuó en la comedia "Speechless" junto a Geena Davis y Michael Keaton, siendo para muchos curiosa la reunión en la pantalla grande de los intérpretes de Superman y Batman. Ese mismo año actuó en el filme de HBO "Above Suspicion", donde encarnó a un detective que queda invalido tras recibir un disparo. En 1995 se estrena su última película antes de su accidente, Village of the Damned, dirigida por John Carpenter,nueva versión de la película original de 1963.

En 1997, dos años después de su accidente, Reeve debuta como director con el filme para TV "In the Gloaming", que narra el drama de un joven enfermo con Sida quien va a pasar sus últimos días en compañía de su familia. Al año siguiente protagoniza "La Ventana Indiscreta", junto a Daryl Hannah, un remake del clásico de Alfred Hitchcock para la televisión. Participó como invitado en las series "Sesame Street", "The Practice" y como invitado especial en un par de episodios de la serie Smallville como Virgil Swann, un científico que le dio a Clark Kent (Tom Welling) claves sobre su verdadero origen, siendo estos dos de los episodios con mayor audiencia de la serie.

Con su autobiografía "Still Me", publicada en 1998, Reeve estuvo encabezando las listas de libros más vendidos en ese año, mientras que la versión en audio del libro obtuvo en 1999 el premio Grammy al mejor álbum narrado. Reeve obtuvo una estrella en el paseo de la fama en Hollywood en 1997.

En 2004, dirige "The Brook Ellison Story" para el canal A&E, cinta que no alcanza a ver estrenada. Al momento de su muerte, codirigía el filme animado "Everyone's a Hero", estrenado en 2006.
Reeve llamaba la atención porque poseía una altura 1,92 m (6 pies 4 pulg) y su verdadero color de cabello era rubio. Durante su adolescencia tuvo problemas musculares debido a su altura, padeció asma y en ciertas épocas de su vida tuvo alopecia. Durante el rodaje de Superman, conoció a la ex-modelo y publicista británica Gae Exton con quien convivió durante una década y tuvo dos hijos, Matthew y Alexandra.

Tras separarse de Exton, en verano de 1987, Reeve conoció en el Festival de Teatro de Williamstown presentándose a la joven Dana Morosini, una actriz y cantante de quien se enamoró y con quien contrajo matrimonio en 1992. De dicha unión nació su tercer hijo, Will.

Siendo una persona bastante accesible, mantuvo una gran amistad durante toda su vida con el también actor Robin Williams, quien fue compañero de estudios en Julliard y quien cubrió sus cuentas médicas tras el accidente. También mantuvo cordiales relaciones con su compañera de rodaje en Superman, la actriz Margot Kidder, el director Richard Donner y su compañera de Somewhere in Time, Jane Seymour, quién bautizó a uno de sus hijos "Christopher" en homenaje al actor. También mantenía una estrecha relación de amistad con Gene Hackman, su también compañero de rodaje en la saga de Superman.

Dana Reeve le sobrevivió solo dos años más, ya que se le diagnosticó cáncer de pulmón sin haber sido ella fumadora y luchó con su mal hasta el 7 de marzo de 2006, fecha en que falleció a los 44 años de edad. Su esposa había ganado reconocimiento internacional con la fundación, pero el gobierno de George W. Bush redujo ostensiblemente los fondos y prácticamente paralizó el tema del uso de células madre. El actor fue un firme opositor a Bush y a las jerarquías católicas, a los que acusaba de frenar las investigaciones sobre dichas células.

Christopher Reeve fue un activista durante toda su vida. Al hacerse famoso apoyó las Olimpiadas Especiales y visitaba niños y personas en enfermedades terminales cuyo último deseo era verlo en persona. En 1987, viajó a Chile por invitación del escritor Ariel Dorfman para liderar protestas por los abusos del régimen de Augusto Pinochet contra escritores, sindicalistas y artistas que se oponían al gobierno.

En 1989 se unió a otros artistas como Susan Sarandon, Glenn Close, Alec Baldwin y Ron Silver para fundar "Coalición Creativa", un grupo de artistas que ayudaban a los menos favorecidos e impulsaban labores culturales y ecológicas. Como vice presidente del grupo, en 1993, ayudó a descontaminar una playa californiana bajo el auspicio del entonces vice presidente de los Estados Unidos, Al Gore.

La vida de Christopher Reeve cambió para siempre el 27 de mayo de 1995, cuando en una competición hípica en Culpepper, Virginia, cayó de su caballo al no poder superar un obstáculo, fracturándose las dos primeras vértebras cervicales.

Tras ser sometido a una peligrosa operación, sólo pudo recuperar la movilidad de los dedos de su mano izquierda, que consiguió articular con mucho esfuerzo. Colaboró con entusiasmo desmesurado con asociaciones como la Unesco, para luchar por causas similares a la suya. También asistía al senado a pesar de su estado para intentar que éste permitiera trabajar con células madre embrionarias a los investigadores para intentar conseguir el mayor deseo de Reeve, volver a andar.

Se convirtió en un orador motivacional y un icono de la lucha y el temple ante la adversidad y creó la "Christopher and Dana Reeve Paralysis Foundation", que además de luchar por el desarrollo de la investigación de la cura de enfermedades usando células madre, buscó apoyar a quienes han quedado parapléjicos o tetrapléjicos como él, ya sea por causas naturales o en accidentes. Su esposa Dana fue apoyo fundamental para que Reeve pudiese recuperarse emocionalmente en los primeros difíciles momentos de esta dura etapa de su vida, ella permaneció como incondicional compañera hasta su deceso ganándose la estima, el respeto y la admiración por su abnegación y coraje.

Reeve pensó en el suicidio.

Dana adecuó la casa en la granja para la nueva situación de su marido y dejó en segundo plano su carrera. Christopher Reeve gracias a los cuidados y amor de hogar logró asumir su condición de discapacitado y realizó conferencias e incluso apoyó a su esposa en varias actividades de índole profesional. El actor no renunció a la lucha y sus conferencias fueron un ejemplo de la lucha contra la adversidad. Siempre estuvo a la vanguardia como estandarte de los estudios para la cura de la parálisis de la médula espinal. Reeve incluso llegó a ofrecer su cuerpo para experimentos de neurotrasmisores, en uno de ellos le implantaron celdas electrónicas que generaban pulsos eléctricos que estimulaban la reacción refleja y que le hacían mover sus extremidades de manera robótica, hizo una presentación en público, sin embargo esto no prosperó.

A medida que pasaba el tiempo, su organismo se iba deteriorando, le aparecieron escaras y sus músculos sin tono comenzaron a atrofiarse definitivamente. Se hizo suceptible a sufrir infecciones.

En 2003 y 2004, tuvo varias infecciones serias; recuperándose de tres mientras que la última fue fatal para él. En octubre de 2004, estaba siendo tratado por un problema de hipotensión causado por sepsis. El 9 de octubre, Reeve se sintió bien y estuvo con su hijo Will. Esa noche, tuvo un ataque cardíaco después de recibir un antibiótico para la infección. Entra en coma y es llevado al Hospital North Westchester en Mount Kisco, Nueva York. Dieciocho horas después, el domingo 10 de octubre de 2004, fallece a los 52 años. Su doctor, John McDonald, cree que fue una reacción adversa al antibiótico que le causa su deceso.
Un año después de su muerte, la fundación creada por él, Centro de Investigación Reeve-Irvine de la Universidad de California (EE.UU.), consiguió reparar lesiones medulares de ratones usando células madre provenientes del tejido nervioso de seres humanos.
Su filmografía: Love of Life, 1974-1976 (serie de TV).
Gray lady down, 1978.
Superman, 1978.
Superman II, 1980.
Somewhere in time, 1980.
Deathtrap, 1982.
Monseñor, 1982.
Superman III,1983.
Las bostonianas, 1984.
The aviator, 1985.
Superman IV, 1987.
Street Smart, 1987.
Switching channels, 1988.
Earthday birthday, 1990.
Noises off, 1992.
Lo que queda del día, 1993.
Speechless, 1994.
El pueblo de los malditos, 1995.
Above suspicion, 1995.
A step toward tomorrow, 1996.
La ventana de enfrente, 1998 (TV).
Smallville, 2002 (TV).
The pratice, 2003 (TV).

La última entrevista de Frank Braña.

Más que una entrevista fue una visita y una conversación de un amigo a otro en un momento en que todo hacía presagiar su próximo final.
Así fue como cada vez que nos veíamos empezábamos a hablar del cine, de anécdotas ocurridas a cada uno y surgían muchas cosas que otras veces no habíamos recordado.
Concretamos algunas cosillas y dejamos terminado lo que será su último trabajo, un prólogo para mi futuro libro sobre el cine europeo todavía sin terminar. En el se recuerda la idea que tenía Frank del cine y sus interioridades.
El gran actor siempre cortés dejó claro síntomas de cansancio con el trato que estaba recibiendo por parte de algunos compañeros de profesión que difaman sin motivo a grandes como él.
Su pareja Checa, porque no estaba casado con su última mujer, aunque lo iba a hacer fue testigo de su conversación, y de la primera mujer con la que se casó, no tiene relevancia en su carrera, se divorcio hace décadas y solo le duró tres años el matrimonio por multitud de divergencias mutuas,sus hijos es otra historia para hablar de este grande.
El actor reconoció el cansancio de esperar a que una labor a toda una vida fuese reconocida, le lleno sin embargo de satisfacción la biografía en gallego de 2007 o el último homenaje recibido en Almeria en diciembre de 2011.
Le comenté sobre unas películas que había comprado últimamente y como siempre preguntaba los títulos. El coloso de Rodas le dije allí trabaje yo pero no me vera pues estuve saltando de un lado a otro en toda la película sin duda es catastrófica el filme. Allí me confirmó conoció a Leone el gran artífice para el lanzamiento de su carrera y con quien empezó a conseguir papel hablado.
De ahí recorrimos sus recuerdos por los 3 grandes filmes de Leone al lado de Clint Eastwood, la gran envidia de la profesión que no acepto que se codeara fuera de pantalla con grandes del cine, eso muchos siguen sin comprenderlo pero es que había que conocer a Frank para ver como te convencía, buena persona humilde hasta que ya no le quedaba más remedio. Bebedor si juerguista también pero de ahí a algo más serio sería calumniarle. Amigo de Paco Rabal,durante muchos años, mientras este vivió por conde casal.Conoció a todos los actores de los últimos 50 años, trabajo con casi todos. Intervino con las actrices más sexys, hizo películas polémicas y de éxito como para decir que era un especialista nada más en la prensa nacional algo que se repitió continuamente. Especialista si pero de los años 60, en los últimos años 60 actor secundario y en los años 70 incluso actor principal en películas de clase B como le gustaba decir a la prensa para elogiarlo,en las de clase A siempre acompañado de grandes estrellas internacionales como nacionales en los años 60,70,80 o 90 tenía que ser secundario por lógica, pero no por ello dejo de ser un actor bien pagado y reconocido en su profesión tal es así que Garcí se acordó de él para Tiovivo un filme plagada de estrellas que no tiene un hilo argumental muy claro y que es un pretexto para que nadie fuera el actor principal. Su último trabajo fue el film Carla en 2008.
Yo cuando me despedí de el sabía que sería para siempre y el también al darnos las gracias por visitarle diciéndonos cosas como "es la mejor familia de artistas que conozco, os lo agradezco de todo corazón". Este es mi penúltimo homenaje Frank, el último será tu prólogo y espero que lo veas desde el cielo con tu pañuelo y sombrero del Oeste.

Me despido de un gran actor Fran Braña.

Mi amigo el asturiano Frank Braña y que siempre solía decir que era el actor que más veces había muerto en la pantalla y lo corroboro nos ha dejado finalmente. Hasta más de trescientas hizó en el cine. Esta vez no ha sido como en el cine y le llegó su momento como en La muerte tenía un precio. Aunque no fue en el desierto de Arizona ni en el de Tabernas (Almería), falleció en el hospital puerta de hierro de Majadahonda en Madrid y a los 77 años.

Hacía unos días en que le acaba de visitar y todo hacía presagiar lo peor, gracias a que a su vuelta a Madrid en la compañía aérea hispanair quebrada recientemente, le dejaron esperando en el aeropuerto tirado en el suelo durante horas por lo que recayó de sus problemas respiratorios y como me explicaba fue la causa de su ingreso y ahora defunción.

Braña era un habitual del cine de acción y de los «spaghetti western» y tenía más de 200 películas en su haber. En su currículum figuran colaboraciones con grandes nombres del cine como Henry Fonda,Claudia Cardinale,Charles Bronson,Clint Eastwood,Sergio Leone,Romero Marchent,Garcí,Willian Holden,Bud Spencer o Terenci Hill y aunque muchos se empeñen, si aparecía en los créditos una vez se hizo estrella, los que ignoran el cine no saben que cuando eres extra o muy secundario es cuando no apareces en ellos y eso pasa en los comienzos de una carrera. Era al comenzar un especialista en peleas y borracheras de salón, con montones de golpes en su cuerpo pero, sobre todo era experto en morirse. Y no de cualquier manera, sino dignamente. «Morir con dignidad en el cine», quiso titular su biografía, que fue escrita por Manuel Curiel y fue presentada hace cinco años en 2007 en el festival de Lugo donde fue homenajeado junto a su amigo Fajardo.
Frank Braña, nacido Francisco Braña Pérez, vino al mundo en Pola de Allande en 1934, un año de sublevación en Asturias. Se crio en Fonsagrada (Lugo). Desde los 11 años se dedicó a los oficios de pastor de ovejas y, minero lo que le acarreó la triste enfermedad de la silicosis para poder ayudar en su hogar a su familia. Por una casualidad le llegó la ocasión de trabajar de chófer en Madrid, donde se enteró de que hacían unas pruebas para trabajar de especialista en el cine. Inició su carrera con un papelito en «Café de chinitas», que Gonzalo Delgrás rodó en 1960, pero pronto su gran estatura, su dominio del inglés, más tarde hasta 4 idiomas, lo que pocos actores españoles, que como el reconocía no habían llegado a salir de España, y sus ojos azules le abrieron las puertas del 'spaghetti western', género del que en esos años se empezaron a filmar decenas de películas en el desierto almeriense gracias al éxito de Por un puñado de dólares que lanzó a Leone y Clint Eastwood al estrellato. Frank intervino en las tres películas con las que Sergio Leone echó a andar el género: «La muerte tenía un precio» (donde hizo de indio), «Por un puñado de dólares» y «El bueno, el feo y el malo».Y también en la que le puso colofón: «Hasta que llegó su hora». Pero Clint Eastwood no fue el único famoso con el que Frank Braña se codeó. También participó en películas junto a Charlton Heston, William Holden, Lee van cleff,Claudia Cardinale, Henry Fonda,Jason Robards... En «Rey de reyes», la superproducción sobre Cristo que Nicholas Ray rodó en España en 1961 bajo los auspicios de Samuel Bronston, desarrolló su primer papel como romano,especialista para escenas de acción. A finales de los años sesenta y durante la década siguiente se convirtió en algo así como un actor fetiche para el director Rafael Romero Marchent. Con él rodó títulos como «Garringo», «Manos torpes», «Un dólar de recompensa» o «El lobo negro», entre otros muchos. Títulos como Sugar colt, Lo quiero muerto, jugando a morir un gran éxito que estuvo meses en las carteleras españolas y que fue elogiado por el propio Franco, Supersonic man en que se le puede ver constantemente, Perros callejeros donde hacía de gitano capador, Metralleta Stein, Viaje al centro de la tierra versión de Julio Verne, los cántabros para Paul Naschy,Mil gritos tiene la noche, los diablos del mar...Pero la silicosis, herencia de sus años de minero, le impedía desarrollar su trabajo con normalidad a partir de los años 90, y en 2004 se fue alejando definitivamente de los largometrajes, después de participar en «Tiovivo c. 1950», de José Luis Garci gano un premio al mejor cortometraje en El viejo y el mar 2008. El pasado diciembre recibió un homenaje del Festival de Western de Almería y en 2007 fue el protagonista de la Semana Internacional de Cine de Autor de Lugo. El actor ha sido enterrado en el cementerio municipal de Collado Villalba, donde residía.
Me despido con la broma que solíamos hacernos en plan mejicano cuando nos veíamos: "Que viva el western y que viva Braña", porque como casi siempre fallecia en esos filmes como para que el viviera y para que quede en el recuerdo ese filme del que siempre se acordaba en el que hizó de sheriff y acababa siendo el dueño del pueblo y vivo. Y ya pueden censurarme la prensa por hacerla broma, esa broma ya la hicieron ellos tantos años olvidándose de su trayectoria incluso ese periódico que leía todos los días,se ha ido el actor más internacional que nos quedaba vivo, pero yo he perdido un amigo.DEP.