Marilyn en el recuerdo de la ausencia de los 50 años del asesinato de Kennedy.

Se cumplen los 50 años del aniversario del fallecimiento de Kennedy, nada mejor que recordar a la amante en la sombra de un ídolo de barro al que todo el mundo sigue recordando, sin duda quien merece el recuerdo no es el ladino mujeriego sino la vida de la actriz. Marilyn Monroe (pronunciado ['mæ.ɹɪ.lɪn mɔn.'ɹəʊ]) había nacido en Los Ángeles, California, Estados Unidos, un 1 de junio de 1926 – íbidem, 5 de agosto de 1962), nacida como Norma Jeane Mortenson y bautizada como Norma Jeane Baker, fue una actriz de cine, cantante y modelo estadounidense. Con el paso del tiempo, llegó a ser una de las actrices más famosas de Hollywood y uno de los principales símbolos sexuales de todos los tiempos. Comenzó su carrera como modelo fotográfica y a partir de 1946 comenzó a interpretar pequeños papeles en películas de bajo presupuesto. Los primeros papeles destacados los interpretó en las películas The Asphalt Jungle (La jungla del asfalto, 1950) y All About Eve (Eva al desnudo, 1950). Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que protagonizara el musical Los caballeros las prefieren rubias (1953) y apareciera en el número inaugural de la revista Playboy. Interpretó el papel principal en las comedias How to Marry a Millionaire (1953), The Seven Year Itch (La tentación vive arriba, 1955) y Bus Stop (1956), y gracias al éxito taquillero de estas películas, desde entonces comenzó a ser considerada como una de las actrices más rentables de la industria cinematográfica. Su mayor éxito comercial fue Some Like it Hot (Con faldas y a lo loco, 1959), filme por el que ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia. Fue considerada como una de las mujeres más atractivas de la historia del séptimo arte, pero su explosiva belleza la condicionó artística y emocionalmente, obligándola a proyectar una imagen seductora y superficial que encubría su personalidad real, sensible e inestable desde la infancia. Estuvo casada con el jugador de béisbol Joe DiMaggio, en 1954, y luego con el dramaturgo Arthur Miller, entre 1956 y 1962. Monroe falleció el 5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos, en circunstancias nunca esclarecidas. La primera hipótesis que barajó la justicia estadounidense fue la de suicidio, pero ésta nunca pudo ser corroborada. El American Film Institute la considera la sexta mejor estrella femenina de todos los tiempos. Los comienzos Certificado de nacimiento de Marilyn Monroe, nacida como Norma Jeane Mortenson en 1926 Gladys Pearl Baker (apellido de nacimiento Monroe, 27 de mayo de 1902 – 11 de marzo de 1984)4 se casó con el noruego Edward Mortenson y, poco después de separarse, descubrió que estaba embarazada.5 El 1 de junio de 1926 nació en Los Ángeles su hija Norma Jeane Mortenson, según consta en el registro civil para que no fuera ilegítima, y llamada Norma Jean Baker en la práctica.6 7 Gladys, que trabajó como cortadora de negativos en la productora de cine RKO Pictures,7 5 no podía mantener a su hija por problemas económicos y emocionales y la dejó al cuidado de un matrimonio adoptivo: Albert e Ida Bolender, residentes en Hawthorne (California).8 Cuando Gladys consiguió una casa propia decidió llevarse consigo a su hija, pero al cabo de unos meses sufrió una crisis nerviosa y la custodia de Norma Jeane la obtuvo la mejor amiga de su madre, Grace McKee, quién despertó su interés por el cine y quién la incentivó para que fuera, en un futuro, actriz.7 5 Cuando su tutora se casó en 1935 y se trasladó a la costa oeste de Estados Unidos, Norma Jeane fue dada en adopción a otras familias, hasta que dos años después consiguió la custodia. Solo por unos meses, puesto que la custodia la obtuvo poco después el tío de la mejor amiga de su madre, Olive Brunings, después de que Norma acusara al marido de Grace McKee de haberla violado. A los 12 años volvió a ser violada, esta vez por uno de los hijos de Brunings.9 Pero, también a los doce años, ocurrió algo importante en su vida: descubrió que tenía una hermanastra mayor por parte de madre. Se llamaba Bereniece y empezaron a escribirse cartas, hasta que un día pudieron ponerse en contacto. Hasta la muerte de Norma, ya convertida en la gran estrella Marilyn Monroe, las hermanastras tuvieron una relación muy estrecha. Norma descubrió que no estaba tan sola como creía. Mientras tanto, después de la violación, se fue a vivir con una de las tías de McKee hasta que la señora empezó a tener problemas de salud y le fue imposible cuidar de ella. De nuevo en casa de McKee, Norma tomó una decisión que cambiaría su vida. El marido de McKee había recibido una oferta de trabajo e iban a mudarse, por lo que ella tendría que ir a un orfanato. Para evitarlo, se casó con el hijo policía de una vecina en junio de 1942. Norma tenía 16 años y James Dougherty, 21. Desde entonces ella dejó de estudiar para dedicarse a su papel de buena esposa y buena ama de casa. En 1943, cuando Estados Unidos entró a formar parte en la Segunda Guerra Mundial, Dougherty se enroló en la marina y fue enviado como instructor a la Isla de Santa Catalina, frente a Los Ángeles, para luego embarcarse hacia Australia. Norma Jeane, al quedarse sola, se trasladó a casa de su suegra, con quien trabajó luego en una fábrica de municiones: la Radio Plane de Burbank. Carrera Ingreso al medio artístico y debut en el cine (1944-1947) Marilyn Monroe trabajaba como técnico en la fábrica de municiones Radioplane cuando fue fotografiada en su trabajo para la revista Yank, the Army Weekly, en 1944. Mientras trabaja en la fábrica, un fotógrafo la retrató en su puesto de trabajo. Sin saberlo, había descubierto a la que poco después sería la gran Marilyn Monroe. Ella, por su parte, logró cotizarse como modelo y fue portada de decenas de revistas. Pero, su trabajo como modelo era algo que no le gustaba a su marido y éste le puso contra la espada y la pared: o continuaba siendo una «buena» ama de casa o bien emprendía su camino hacia la fama. En 1946, apostando por su futuro, Norma se divorcia de su marido y se presenta a varios castings. Fue contratada por uno de los ejecutivos de la Twentieth Century Fox para trabajar como extra de cine durante seis meses. Fue él quien le propuso el nombre artístico de Marilyn Monroe: Marilyn por la actriz Marilyn Miller y Monroe por ser el apellido de soltera de su madre. En sus primeros papeles interpretó a una telefonista en la película musical The Shocking Miss Pilgrim y a una camarera en Dangerous Years. La escasa aceptación que estas películas recibieron de la crítica y del público hicieron que su contrato no fuese renovado en 1947. Contrato con Fox y revelación como actriz (1949-1952) En 1948, Monroe firmó un contrato semestral con Columbia Pictures para interpretar a la bailarina Peggy en el musical Ladies of the Chorus. La película no tuvo mucho éxito, por lo que su contrato fue rescindido. Sin embargo, a partir de entonces solo apareció en películas producidas por la Twentieth Century Fox desde que firmó un contrato de seis años en 1949. Participó con un breve papel en la comedia Amor en conserva de los Hermanos Marx, y en 1950 interpretó a Ángela, la amante de un abogado, en la película policíaca La jungla de asfalto. En ese mismo año también participó en la película Eva al desnudo, protagonizada por Bette Davis, donde interpretó a Claudia Caswell, una actriz de teatro. Por sendas interpretaciones recibió críticas positivas. En febrero de 1951 se inscribió en las clases nocturnas de arte y literatura de la Universidad de California. En ese año interpretó, en varias películas de bajo presupuesto como Home Town Story, As Young as You Feel y Love Nest, papeles secundarios. Las perspectivas de su carrera comenzaron a mejorar cuando actuó a las órdenes de Fritz Lang en Clash by Night (1952), con un elenco que incluía a Barbara Stanwyck, Paul Douglas y Robert Ryan. Nuevamente su actuación recibió buenas críticas y poco después actuó en We're Not Married, comedia donde trabajó junto a Ginger Rogers y Zsa Zsa Gabor, y en Don't Bother to Knock, un thriller donde interpretaba a una niñera perturbada a la que vigila Richard Widmark. Fue su primer papel protagonista y, en palabras suyas, le exigió escenas de gran carga dramática, pero no obtuvo el éxito esperado. En Monkey Business (Me siento rejuvenecer), donde fue dirigida por Howard Hawks y actuó junto a Cary Grant y Ginger Rogers, mostró, por primera vez, la que sería su imagen definitiva: melena corta ondulada en un rubio platino. Pocos años antes se había sometido a una discreta rinoplastia. Consagración (1953-1954) En 1953, después de participar en películas de bajo presupuesto, la actriz tuvo un papel protagonista: Rose en Niágara. Y fue porque el aquel entonces presidente de la Twenty Century Fox, Darryl F. Zanuck, lo pidió. Así fue como Marilyn Monroe sustituyó a Anne Bancroft y consiguió críticas dispares: unos decían que no estaba a la altura del papel y otros quedaron eclipsados por su explosiva belleza. A modo de curiosidad, destacar que los famosos cuadros de Andy Warhol sobre Marilyn tienen como modelo una imagen promocional de esta película. En diciembre de ese mismo año, Marilyn apareció en el número inaugural de Playboy, siendo por lo tanto la primera chica del mes de la revista. En la portada se reproducía una fotografía de la actriz con un vestido de escote pronunciado, que había suscitado críticas, pero el interior era aún más explosivo: como póster central se reproducía la fotografía Sueños dorados, donde Marilyn totalmente desnuda sobre una sábana de raso mostraba sus medidas 94-58-92. En realidad Marilyn no había posado expresamente para la revista: la imagen era de 1949, cuando ella era una desconocida de cabello más largo y oscuro, y se había tomado para un calendario. Pero Hugh Hefner compró los derechos justo a tiempo para explotar el creciente estrellato de la actriz. Marilyn Monroe interpretando la canción Diamonds are a girl's best friends en la película Los caballeros las prefieren rubias (1953). La actriz protagonizó junto a Jane Russell la película Los caballeros las prefieren rubias (1953). Allí interpretó a Lorelei Lee, una cantante y bailarina. Su trabajo en este filme recibió buenas críticas y su interpretación del número musical "Diamonds Are a Girl's Best Friends" se convirtió en un clásico de los musicales.,25 siendo recreada décadas después por Madonna. En ese mismo año, Marilyn trabajó con Lauren Bacall y Betty Grable en How to Marry a Millionaire (Cómo casarse con un millonario). En esta comedia interpretó a Pola, una modelo que alquila junto a sus amigas un lujoso departamento con el objetivo de atraer acaudalados desprevenidos para poder casarse con ellos. La película obtuvo críticas positivas y buena recaudación, y nuevamente la actuación de Monroe recibió buenas reseñas. En 1954 la actriz apareció en la película de Otto Preminger, River of No Return (Río sin retorno), junto a los actores Robert Mitchum, Rory Calhoun, Tommy Rettig y Murvyn Vye. Se trató de un western en el que ella interpretó el papel de una cantante de saloon que conoce a un rudo vaquero, con el que vive distintas aventuras. La película obtuvo críticas negativas y no le fue bien financieramente. En ese mismo año actuó en There's No Business Like Show Business (Luces de Candilejas), una comedia musical donde compartió escena con Ethel Merman, Donald O´Connor y Mitzy Gaynor. La película recibió críticas negativas y no tuvo una buena recaudación. Posteriormente rechazó filmar una película con Frank Sinatra por no estar conforme con el argumento de la misma y con el salario que recibiría. Esto hizo que el estudio para el que trabajaba la suspendiera durante un breve lapso temporal en el que permaneció alejada de la actuación, aunque realizó presentaciones como cantante en Japón para entretener a las tropas estadounidenses. Estadía en Japón y The Seven Year Itch (1954-1955) Tras un breve receso, Monroe aceptó el papel de La Chica en la comedia The Seven Year Itch (La tentación vive arriba en España y La Comezón del Séptimo Año en Argentina), de 1955, adaptación cinematográfica de la obra teatral del mismo nombre. Por su trabajo en esta película recibió críticas positivas de diversas fuentes y su primer nominación al premio BAFTA como Mejor actriz extranjera. Por su parte, The Seven Year Itch fue un gran éxito comercial, ya que recaudó más de ocho millones de dólares , pero contribuyó a la crisis matrimonial entre Marilyn y Joe DiMaggio, disgustado por la famosa escena del vestido y, en general, por la imagen provocativa que Marilyn proyectaba. La pareja se divorciaría rápidamente. Después, el estudio ofreció a la actriz un contrato más ventajoso desde el punto de vista comercial y artísitico, en el que se incluyó una cláusula que señalaba que recibiría un porcentaje de la recaudación y otra que le concedía la posibilidad de realizar una producción independiente cada año. Ingreso al Actor's Studio y creación de la Marilyn Monroe Productions (1955-1957) A mediados de la década de 1950, Monroe se mudó a Nueva York y dejó de actuar durante un periodo breve de tiempo, pues quería formar su propia productora de cine y perfeccionar sus dotes actorales. Se inscribió, por sugerencia de su amigo Truman Capote, en las lecciones de teatro otorgadas por Constance Collier, quien murió días después del inicio del curso. Fue entonces cuando se matriculó en el Actors Studio, en las clases impartidas por Lee Strasberg. Cuando Strasberg consideró que ella estaba lo suficientemente preparada para actuar frente a sus colegas, le sugirió que interpretase junto con Maureen Stapleton una escena de la obra Anna Christie, de Eugene O'Neill.Por su actuación en esta pieza teatral recibió críticas muy positivas por parte de su profesor y de sus colegas. En 1956, Monroe regresó al cine interpretando el papel de Cherie en la película Bus Stop. Gracias a un nuevo contrato que firmó con la Twenty Century Fox en ese año, la actriz pudo elegir director. Optó por Joshua Logan, quien había sido formado con el mismo método de interpretación que ella.39 Nuevamente la actuación de Monroe recibió buenas críticas. Lohan, en su autobiografía, escribió: «Marilyn es una de las actrices más talentosas de todos los tiempos, ella es realmente brillante. Creo debió haber sido nominada como mejor actriz a los premios Óscar». Bosley Crowther, del periódico The New York Times, señaló: «Marilyn Monroe se probó a sí misma que es una actriz».40 Ese año fue nominada al premio Globo de Oro por Mejor actriz de comedia o musical. Marilyn Monroe junto a Laurence Olivier en una escena del filme The Prince and the Showgirl (1957). El 29 de junio de 1956, la actriz y Miller se casaron en una doble ceremonia, civil y religiosa. La prensa accedió a la casa donde se celebró el evento, pero en una de las persecuciones en busca de fotografías murió accidentalmente una periodista que cubría el acontecimiento. Después, el matrimonio partió hacia la ciudad de Londres, donde Monroe rodó la primera película de la Marilyn Monroe Productions, El príncipe y la corista (1957). Allí fue dirigida por Laurence Olivier, con quién además compartió el protagonismo. El rodaje resultó ser muy angustioso para la actriz, porque perdió un embarazo a causa de un aborto espontáneo. En este período, debido a sus trastornos emocionales y anímicos, se volvió adicta al alcohol y a los barbitúricos. La actuación de Monroe tuvo muy buena recepción por parte de los críticos de cine, incluso ganó el premio David di Donatello a la mejor actriz extranjera en Italia y estuvo nominada al premio BAFTA como mejor actriz. Some Like it Hot (1959) En 1959, Monroe participó en la película Some Like it Hot (Con faldas y a lo loco o Una Eva y dos Adanes en algunos países de Latinoamérica), con un elenco que incluía a Jack Lemmon y Tony Curtis, dirigida por Billy Wilder.44 Durante el rodaje, Monroe siempre llegaba tarde, constantemente pedía repetir las tomas y con mucha dificultad lograba memorizar sus líneas; esto hizo que se enemistara con sus compañeros, especialmente con Tony Curtis. La filmación resultó ser también angustiosa para la actriz porque allí quedó embarazada, supuestamente por un breve idilio con Curtis, pero nuevamente sufrió un aborto espontáneo. La película tuvo un gran éxito de crítica y público; fue la más taquillera de ese año y consiguió cinco nominaciones a los premios Óscar. Monroe interpretó a "Sugar", una chica romántica, desafortunada en el amor y vulnerable; una rubia superficial, no demasiado inteligente, víctima de la maldad de los otros. Por su actuación ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical. Más tarde, Wilder comentó que esta película fue uno de los logros más importantes de toda su carrera. Últimas películas y problemas de salud (1960-1962) Después de Some Like It Hot, la actriz firmó un nuevo contrato con la Twenty Century Fox. Actuó en el musical Let's Make Love, bajo la dirección de George Cukor. El rodaje de la película se retrasó por las condiciones físicas de Monroe y porque, a petición de ella, el guion fue reescrito por Arthur Miller.47 Los cambios que realizó el dramaturgo hicieron que Gregory Peck rechazara encarnar el papel principal del filme; Cary Grant, Charlton Heston, Yul Brynner y Rock Hudson también rechazaron el papel, por lo que el estudio se lo ofreció al actor y cantante francés Yves Montand. Monroe y Miller se hicieron amigos de Montand y su esposa, la actriz Simone Signoret. Cuando Signoret regresó a Francia para filmar una película, Monroe y Montand tuvieron un breve romance, estando ambos casados. Si bien ella le pidió a él que abandone a Signoret, cuando el rodaje terminó, él volvió a su país con su esposa. La película tuvo críticas negativas y no le fue nada bien financieramente. Durante este período, la salud y el estado emocional de Monroe se fue deteriorando notablemente. Con frecuencia llamaba por teléfono al Dr. Ralph Greenson, su psiquiatra y psicoanalista, en las noches para combatir su insomnio. También visitó a otros médicos cuando él creía que era necesario recetarle nuevos fármacos. En el año 1960, Monroe formó parte del elenco de la película The Misfits (Vidas rebeldes), de John Huston, cuyo guion fue escrito especialmente por Arthur Miller para ella. La actriz interpretó a Roslyn, un personaje que su esposo calcó de situaciones, diálogos y momentos de su vida. El elenco incluía, entre otros, a Clark Gable, Montgomery Clift y Thelma Ritter. La filmación comenzó en julio de ese año y se llevó a cabo en el desierto de Nevada. El estado anímico de Monroe no era bueno; faltaba con frecuencia al rodaje, tenía dificultades para poder concentrarse y para dormir consumía fuertes dosis de fármacos y alcohol. En el mes de agosto, la actriz fue hospitalizada de urgencia en Los Ángeles durante diez días. Los periódicos indicaban que la actriz estaba cerca de la muerte, pero no revelaron las causas de su internamiento.53 Después de esto, Monroe regresó a Nevada y terminó de filmar la película.En noviembre, la actriz y su esposo regresaron separados a la ciudad de Nueva York y ella se refugió en casa de Lee Strasberg. Monroe en la película dramática The misfits (1961). The misfits fue mal recibida por los críticos, pero la actuación de Monroe, al igual que la de Gable, recibió críticas muy positivas. En una entrevista, Huston dijo: "Marilyn excavó dentro de sus propias experiencias personales para sacar a la superficie algo único y extraordinario. No tenía técnica de actuación. Era todo verdad, era solo ella". Durante los siguientes meses, la adicción de Monroe a los fármacos y al alcohol la pusieron al borde de la muerte nuevamente. El 20 de enero de 1961, se divorció de Miller. En el mes de febrero ingresó en la clínica psiquiátrica Payne Whitney, experiencia que luego ella misma describió como «una pesadilla». Después logró comunicarse con Joe DiMaggio, quien hizo que la trasladaran de esa clínica a un hospital normal. Su delicado estado de salud le impidió trabajar el resto del año. En 1962, Monroe regresó a la actuación protagonizando, junto a Dean Martin, la película Something's Got to Give. Al momento de comenzar el rodaje, la actriz estaba muy delicada de salud, con frecuentes sinusitis, bronquitis y síntomas cada vez más marcados de inseguridad. La 20th Century Fox confiaba en este proyecto para sanear su economía, ya que la empresa amenazaba quebrar, debido a los desmesurados gastos que le generó la película Cleopatra (1963). El 9 de mayo del mismo año tuvo lugar, en Nueva York, la gala por el cumpleaños del entonces presidente estadounidense John F. Kennedy, en la que Monroe le cantó el "Happy Birthday Mr. President". Para acudir a esta gala, la actriz se ausentó durante siete días del rodaje, a pesar de que el estudio le exigió que se quedara para cumplir con su trabajo. Luego, Monroe retornó al rodaje de Something's Got to Give y filmó las escenas en las que se mostró desnuda en una piscina. Estas imágenes luego aparecieron en la portada de la revista Life. Refiriéndose a la tapa de este semanal, ella comentó: "Quiero expulsar a Elizabeth Taylor de las portadas de las revistas". Por sus retrasos y repentinas ausencias del rodaje, fue despedida. La Fox intentó completar la película utilizando a otra actriz, pero Dean Martin se opuso, por lo que a la cinematográfica no le quedó más remedio que readmitirla. En junio del mismo año, realizó la que sería su última y más recordada sesión fotográfica titulada póstumamente The last sitting, programada originalmente por la revista estadounidense Vogue y retratada por el fotógrafo Bert Stern. Después de que la readmitieran, Monroe retomó las negociaciones con la productora para discutir su futuro profesional. El estudio tenía pensado para ella retratar a Jean Harlow en una película biográfica, después filmada por Carroll Baker. También quería que actuara en las comedias: Irma la Douce, What a Way to Go!, ambas luego protagonizadas por Shirley MacLaine, y Kiss Me, Stupid, más tarde protagonizada por Kim Novak.61 El acuerdo al que llegaron estableció que recibiría un millón de dólares por película y que tenía la libertad de elegir director y coprotagonistas. La muerte de la Star. Tumba de Monroe en el cementerio Westwood Village Memorial Park. El 5 de agosto de 1962, a las 4:55 de la madrugada, el jefe del departamento policial de Los Ángeles, Jack Clemmons, recibió una llamada inquietante. Su interlocutor era el doctor Greenson, psiquiatra de Marilyn Monroe, y el mensaje era claro: la actriz había muerto. El policía fue el primero en llegar al lugar y la primera autopsia reveló que había fallecido por una sobredosis de barbitúricos. Teniendo en cuenta que el informe policial calificó la causa de la muerte como un «probable suicidio» por falta de pruebas, muchos creen que fue asesinada. Se dice que el presidente Kennedy y su hermano Robert ordenaron su muerte para evitar que ella, tildada de ingenua, revelara información importante. También se apuntó a que la mafia temía que la actriz informara a la policía sobre los negocios que mantenían con el cantante Frank Sinatra y por eso acabaron con su vida. Euniece Murray, su ama de llaves, fue entrevistada 23 años después y confirmó que aquella noche no conseguía dormir. Se levantó y observó que las luces de la habitación de Monroe estaban encendidas. Cuando llegó se encontró a la mujer desnuda y sin vida sobre la cama. Su psiquiatra, Hyman Engelberg, dijo que recibió gran cantidad de llamadas de mujeres un día después de su muerte diciéndole que si tan solo hubieran sabido que Marilyn tenía problemas, hubieran hecho lo posible por ayudarla. Entonces se dio cuenta que Marilyn no solo llamaba la atención de los hombres, sino que también las mujeres sentían aprecio por ella. Tres días después de la muerte, Joe DiMaggio, su segundo esposo, realizó el funeral en privado. No puedo decirle adiós a Marilyn, nunca le gustaba decir adiós. Pero, adoptando su particular manera de cambiar las cosas para así poder enfrentarse a la realidad, diré hasta la vista. Porque todos visitaremos algún día el país hacia donde ella ha partido. Lee Strasberg, actor y amigo de Marilyn Monroe. Sus restos se encuentran en el cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California. Personalidad Marilyn Monroe tenía dos facetas muy marcadas en su personalidad, por un lado era una mujer que prodigaba una gran femineidad y vulnerabilidad, glamour y seducción muy estudiada y era muy consciente de sus dones como mujer rubia y muy atractiva sexualmente que a veces pasaba por tonta sin serlo; por otro lado, Monroe era esclava de la primera faceta, para ella era muy importante lo que opinaban las personas que le importaban. Desarrolló una personalidad neurótica, depresiva66 y obsesiva que revelaba carencias de afecto en su niñez y primera juventud que afectaban su desempeño en el plató llegando atrasada a los rodajes, manifestando ataques de pánico o bien, asumía conductas impulsivas súbitas. Después de Marilyn La repercusión de la muerte de Marilyn Monroe fue muy importante. Se dice que las vidas de Frank Sinatra y Pat, amiga de la actriz, nunca volvieron a ser las mismas. Monroe dejó un sinfín de imágenes y palabras que perduran en la historia y la recordarán para siempre. Pero también dejó un expediente sin resolver. Lo que ocurrió exactamente la noche de su muerte es una incógnita, pero su legado será, tal vez, el más grande de su época. Marilyn Monroe en Niagara, 1953 Premios Marilyn Monroe en Some Like it Hot. Laurence Olivier y Marilyn Monroe en The Prince and the Showgirl. Globos de Oro 1957 Mejor Actriz - Comedia o musical Bus Stop Nominada70 1960 Mejor actriz - Comedia o musical Some Like it Hot Ganadora70 1962 Actriz favorita Ganadora70 Premio David de Donatello 1958 Mejor actriz El príncipe y la corista Ganadora70 Premios BAFTA 1958 Mejor actriz extranjera The Seven Year Itch Nominada70 1969 Mejor actriz extranjera El príncipe y la corista Nominada70 Con el tiempo en idealización de la estrella como mito se realizaron numerosos famosos retratos de Marilyn Monroe: Andy Warhol, Marilyn MonroeWillem de Kooning: Marilyn Monroe (Óleo sobre lienzo, 1954) Andy Warhol: Marilyn Diptych (Serigrafía sobre lienzo, 1962) James Rosenquist: Marilyn Monroe (Óleo sobre lienzo, 1962) Mimmo Rotella: Marilyn Monroe (Décollage), 1962) Wolf Vostell: Marilyn Monroe (Décollage, 1962) Richard Hamilton: My Marilyn (Fotos y óleo sobre lienzo, 1966) Salvador Dalí: Mao Monroe (Óleo sobre Polimetilmetacrilato, 1967) Robert Rauschenberg: Test Stone #1 (Litografía sobre papel, 1967) Richard Lindner: Marilyn was here (17 Litografías, 1970) Mel Ramos: Peek-a-boo Marilyn (Litografía, 2002) Gina Lollobrigida: My Friend Marilyn Monroe (Escultura, 2003

Arnold "the terminator" Swarzeneger.

Hace años hice una biografía creyendo saber como era este actor, e incluso había dosificado la información que poseía del para no hacer al lector una imagen ni endiosada, ni critica en exceso sobre su figura. Ahora unos 6 años después, tan solo queda claro que fui muy benévolo, la imagen del actor  se observa y se describe a día de hoy por si misma con solo observar la vida de la estrella, que aun se cree político, además de haberla memorizado a la venta en un famoso sello nacional.

La aparición de un nuevo hijo en sus memorias fue el detonante para que la gente se apercibiese de un problema personal que hacia años coleaba en la vida personal de la estrella y que le costo el divorcio de la famosa periodista del clan Kenedy, María, con la que había tenido 4 hijos.
Además por dicho caso salió a la luz publica que el patrimonio de la estrella apoyado en los salarios desorbitados del cine oscilaba entre los 100 y 200 millones de euros. El actor era poseedor de la firma Redbull, tenía participaciones en una agencia de inversiones y tenía alguna casa en territorio norteamericano, además de un tanque a donde invita a fans a dar una vuelta.
Se afirma que la fortuna de Arnold basada desde sus comienzos en sus músculos, había tenido consistencia desde el terremoto de San Fernando cuando creo una agencia de albañilería, luego una agencia postal de correo, más tarde un restaurante romántico,un centro comercial y finalmente la desastrosa participación en Planet Hollywood, al lado de la pareja Willis-Moore y Stallone.
En cuanto a su carrera como actor quedo interrumpida desde 2003 hasta el año 2011, en que ejercicio de Gobernador de California, un cargo en el que asumía el déficit de la administración e incapaz de sacar soluciones efectivas renuncio a cobrar su sueldo. Siendo incompatible con los cobros más exitosos de sus ganancias por su colaboración ejecutiva en famosas revistas.
Teniendo en consideración no juzgar sus años de cargo publico en los que tuvo detractores y fans, arnold volvió a lo que sabia hacer promocionar su imagen y sus músculos, volvió al cine de la mano de su amigo Stallone en las versiones de Los mercenarios, su mejor participación de la última década para el y la que le ha dado fama de nuevo en el cine.
Nunca recibirá un Oscar a menos que sea un honorifico y su carrera de star aunque con su aureola está terminando su andadura. No es para menos la edad de 66 años y la operación de la válvula de corazón no van a ayudar a solucionar la caída de la misma, por culpa de apartarse por la política en su momento más álgido de estrella y la desconfianza como protagonista de acción en una persona de edad  jubilada.

James Dean, el joven alocado de Hollywood.

James Byron Dean nació en Marion, Indiana, un 8 de febrero de 1931 y falleció en Cholame, California, 30 de septiembre de 1955, 24 años después.

De triste infancia,sus padres Mildred Winslow y Winton Dean hicieron lo que pudieron con el chico, solo seis años después de que su padre hubiese dejado de ser agricultor para ser técnico dental, James y su familia se mudaron a Santa Mónica, California. La familia permaneció algunos años allí, James fue un hijo muy apegado a su madre porque ella fue "la única persona capaz de comprenderle". Se matriculó en la escuela pública de primaria Brentwood, en Los Ángeles, hasta que su madre murió de cáncer cuando James tenía solo nueve años.

   Winton Dean mandó a James con su hermana, Ortense, y su marido, Marcus Winslow a una granja en Fairmount, Indiana, donde fue educado en un entorno de influencia Cuáquera. Dean se guiará por los consejos y la amistad del pastor metodista Reverendo James DeWeerd. A DeWeerd se le supone haber sido quien influellese sobre Dean,  en un interés en los toros, las carreras de coches y el teatro. Dean mantuvo una relación muy cercana con su pastor... más de lo que hubiese deseado, la cual comenzó en su último año de escuela secundaria y duró muchos años.
Durante los años en la escuela secundaria, las representaciones teatrales hechas por Dean pueden considerarse como de mediocres. Sin embargo, llegó a ser un atleta popular, ya que jugó en los equipos de baloncesto y de baseball, lo que le sirvió para estudiar dramatización.
Años después se supo que Dean se llevó un secreto a la tumba sobre aquellos años y que solo conocían pocas personas y que fue develado gracias a Elizabeth Taylor. La actriz se lo contó a un periodista y le pidió que no lo sacara a la luz hasta que ella hubiese muerto. En 1997, Taylor fue entrevistada por Kevin Sessums para la revista ‘'POZ'’ de activismo contra el SIDA. En aquella entrevista, la actriz reveló un dato no conocido sobre Dean:
«Amaba a Jimmy (James Dean). Te voy a decir una cosa, pero es ‘off the record’ hasta que muera, ¿de acuerdo? Cuando Jimmy tenía 11 años y su madre murió, empezó a sufrir abusos sexuales por parte del pastor de su iglesia», develó la actriz, según recoge The Daily Beast. «Creo que aquello le atormentó por el resto de su vida. Hablábamos mucho sobre ello durante el rodaje de ‘Gigante’ pasábamos noches en vela hablando y hablando, y esa fue una de las cosas que me confesó», afirmó Taylor.Antes de salir de su pueblo ya había representado varias obras. A los 18 años viajó a Los Ángeles donde cursó sus estudios en la Universidad de California, (UCLA). En diciembre de 1947 empezó a conseguir pequeños papeles en cine y televisión, también hizo un famoso anuncio de Pepsi (ese día conoció a su representante Isabelle Dreasemer). Pronto se trasladaba a Nueva York para estudiar interpretación en el famoso Actor's Studio.
Antes de viajar a Nueva York consiguió en 1951 un papel en la película Fixed Bayonets, y también hizo otros dos pequeños papeles en las películas Sailor Beware y Has Anybody Seen My Gal?, ambas en 1952. Después de pedir a numerosas agencias de actores trabajó en una obra de teatro, le ofrecieron en 1952 intervenir en See the Jaguar, en la que interpretó a un adolescente que había estado encerrado en una jaula. También hizo varias apariciones en televisión, que sin embargo no trascendieron entonces. En 1953 le dieron otro papel en Broadway, The Immoralist, que tuvo una acogida muy positiva por la crítica, de ese año también otro pequeño papel en la película Trouble Along the Way.

Al este del Edén y sus otras dos películas.

Finalmente, Jimmy, como se le conocería, consiguió convertirse en actor de cine, cuando en 1954 el director Elia Kazan, descubridor de bellezas masculinas y que había rodado Un tranvía llamado deseo con Marlon Brando, le ofreció el papel principal de Cal Trask en Al este del Edén. Será curiosamente el actor más famoso de la historia con una cantidad ridícula de solo 3 películas, convirtiéndose en icono para generaciones enteras. El director eligió a Dean por su similitud con el personaje, introvertido, tosco, melancólico y apasionado.
Dean y Kazan volaron juntos hablando del proyecto desde Nueva York a Los Ángeles el 8 de marzo. Dean se mudó a un piso del plató de la Warner con Richard Davalos (que haría de Aaron, hermano de Cal). El rodaje empezó el 27 de mayo. Durante su estancia en Hollywood, Dean salía con muchas mujeres, pero el amor de su vida fue la actriz Pier Angeli, a quien conoció durante el rodaje de Al este del Edén. A pesar de que la madre de Angeli se opuso a ese romance, estuvieron juntos un tiempo hasta que Angeli le comunicó de sopetón que iba a casarse con el cantante Vic Damone. Dean no comprendió esa decisión y según algunos biógrafos, la golpeó. Durante la ceremonia de la boda de Angeli, se situó con su moto delante de la puerta de la iglesia y mantuvo acelerado el motor para hacer ruido. El matrimonio de Angeli durará poco tiempo. Ella fallece pocos años después en 1971. El rodaje de la película acabó el 9 de agosto de aquel año.
Como Dean no acudió al estreno de Al este del Edén el 9 de marzo de 1955 el estudio tomaron a nada menos que Marilyn Monroe y Marlene Dietrich que trabajaron en esa ocasión como acomodadoras para la promo. Días después Dean de incognito y rebelde vio su película pasando desapercibido en las filas del cine, como un espectador más. Curiosamente por su actuación en dicha película tuvo su primera nominación al Oscar.
Al poco tiempo, Nicholas Ray le contrató para el papel que merecía de Jim Stark en Rebelde sin causa, coprotagonizada por Natalie Wood. Cuando llegó a Hollywood para trabajar en la película se compró su primer Porsche un Speedster 356 descapotable blanco, la velocidad le traía por la calle de la amargura. El 26 de marzo corrió su primera y segunda carrera donde fue el primero en una y el segundo en otra. La película empezó a rodarse el 28 de marzo de 1955 en blanco y negro, pero al ver el éxito de Al este del Edén volvieron a empezar en color, se terminó a los dos meses y la post-producción unos meses más tarde. El 1 de mayo corrió en su tercera carrera donde quedó tercero. Durante este tiempo Dean rodó también Gigante (Dean se unió al rodaje más tarde ya que estaba terminando Rebelde sin causa por los motivos del color), de George Stevens, junto a Rock Hudson y a Elizabeth Taylor. Su personaje, Jett Rink, tenía también rasgos de Dean, ya que ambos eran personas solitarias y egocéntricas. En su cuarta y última carrera, mientras iba cuarto, un pistón del Speedster estalló y se tuvo que retirar. También por motivos de producción en esta película se le prohibió participar en carreras de coches durante la filmación. La película se rodaba cerca de la frontera con México. Durante los descansos del rodaje Dean aprovechaba y grababa la película entre bastidores con su Bolex de 16 mm. Por esta película obtuvo su segunda nominación al Oscar (en esta ocasión póstuma) y también su compañero de reparto Rock Hudson obtuvo otra nominación en la misma categoría. Ambos fueron vencidos por la gran actuación de Yul Brynner por "El rey y yo".

Accidente fatal y final de una corta vida y carrera.

El James Dean Memorial en Cholame. Dean murió a unos 800 metros al este de este árbol.

Mientras trabajaba en Gigante, Dean se compró un Porsche Spyder 550, bautizado como “Little Bastard” Pequeño basstardo por Bill Hickman, un corredor, amigo personal de Dean que formó parte de su equipo como instructor, ya que era especialista en rodajes de escenas peligrosas de coches. El 17 de septiembre (pocos días antes de su muerte) hizo un anuncio publicitario que advertía a los jóvenes de conducir con prudencia. Al acabar la película, Dean fue a competir en una carrera de automóviles en Salinas, cerca de San Francisco. La noche anterior como presuponiendo su destino dejó su gato a Elizabeth Taylor para que se lo cuidase, ya que temía que algo le sucediese.
El 30 de septiembre de 1955 cogió el Porsche en su ranchera para llevarlo a la Competition Motors para una puesta a punto. Allí se reunió con el fotógrafo Sanford Roth y su amigo el actor Bill Hickman. Su mecánico Rolf Wütherich pasó tres horas poniendo a punto el motor de alto rendimiento y un cinturón de seguridad en el asiento del conductor. Poco antes de ir a Salinas, Dean paró en una gasolinera a seis manzanas de su casa para repostar. Entonces decidió conducir el Porsche a lo largo de la costa para hacerle unos kilómetros (cuando en principio iba a llevar el Porsche en el remolque de su ranchera). Mientras Dean rodaba por carretera, acompañado por su mecánico, se les acercó en el cruce 41-46, en la localidad de Cholame, California, un Ford a gran velocidad, conducido por un loco estudiante. Dean trató de esquivarlo, pero no pudo. Se incrustó contra el Ford frontal-lateralmente por la izquierda y se rompió el cuello en el choque, perdiendo la vida instantáneamente el 30 de septiembre de 1955, a la edad de 24 años. El conductor del Ford, que solamente se rompió la nariz y se lastimó un hombro, murió mayor de cáncer el año 1995, mientras que el mecánico de Dean salió despedido del coche, se destrozó una pierna y se rompió la mandíbula, pero murió años después en un accidente de coche en Alemania (1981).
James fue enterrado en el Park Cemetery de Fairmount (Indiana). En 1977 se inauguró un memorial en su honor cerca del lugar del accidente, en Cholame.
En 2005, Channel 5 emitió un documental en el que se desvelaban nuevos datos sobre el accidente de Dean. Todo habían sido mentiras de maquillar la realidad, para empezar, Dean no intentó esquivar el Ford; sino que frenó a fondo su 550 Spyder. James Dean no murió en el acto, sino que salió despedido contra el parabrisas del Ford puede verse el impacto del cristal en las fotografías del accidente. Tras ese impacto, su cuerpo reboto al interior del Porsche, cayéndo en el asiento del copiloto. Según Hickman, cuando llegaron (a los tres minutos), él mismo sacó a James del coche y murió en sus brazos. El conductor del Ford aseguró que "no vio el coche" de Dean, y afirmó ver como dos cuerpos salían volando del coche: uno cayó en la cuneta (el del mecánico de Dean) y otro "cayó sobre mi coche y rebotó".
Algunos investigadores, periodistas y biógrafos hablan de un suicidio planeado, planificado por el propio James Dean. La primera hipótesis abre un interrogante sobre porqué Dean no esquivó al vehículo con el que iba a colisionar y que por la declaración del mecánico Weutherich no se explica. En segundo lugar, otro dato esgrimido que lleva a pensar en que Dean buscaba de alguna manera la fatalidad fueron las distintas visitas que realizó a sus mejores amigos y a sus compañeros de reparto de sus películas en días anteriores. Se dice que tras el accidente todos convinieron en lo extraño del caso, pues se presentó ante todos vestido con un traje oscuro, nada habitual a su vestimenta.

Filmografía completa.

Año	Película	Papel	Notas
1951	Fixed Bayonets!	Doggie
1952	Sailor Beware	Boxeador
	Has Anybody Seen My Gal?	Extra
1953	Trouble Along the Way	Extra
1955	Al Este del Edén	Cal Trask	Nominado al Óscar al mejor actor Nominado al BAFTA al mejor actor
	Rebelde sin causa	Jim Stark	Nominado al BAFTA al mejor actor
1956	Gigante	Jett Rink	Recibió un Globo de Oro especial por su interpretación Nominado al Óscar a mejor actor

Teatro en Broadway

• See the Jaguar (1953)
• The Immoralist (1954) — basado en la novela de André Gide.

Teatro Off-Broadway

• The Metamorphosis (1952) — basado en la novela de Franz Kafka.
• The Scarecrow (1954).
• Women of Trachis (1954) — traducido por Ezra Pound.

Trabajos y apariciones en televisión.

• Father Peyton's Family Theatre, "Hill Number One" (1 de abril; domingo de Pascua, 1951).
• The Web, "Sleeping Dogs" (20 de febrero de 1952).
• Studio One, "Ten Thousand Horses Singing" (3 de marzo de 1952).
• Lux Video Theater, "The Foggy, Foggy Dew" (17 de marzo de 1952).
• Kraft Television Theater, "Prologue to Glory" (21 de mayo de 1952).
• Studio One, "Abraham Lincoln" (26 de mayo de 1952).
• Hallmark Hall of Fame, "Forgotten Children" (2 de junio de 1952).
• The Kate Smith Show, "Hounds of Heaven" (15 de enero de 1953).
• Treasury Men In Action, "The Case of the Watchful Dog" (29 de enero de 1953).
• You Are There, "aliens" (8 de febrero de 1953).
• Danger, "No Room" (14 de abril de 1953).
• Treasury Men In Action, "The Case of the Sawed-Off Shotgun" (16 de abril de 1953).
• Tales of Tomorrow, "The Evil Within" (1 de mayo de 1953).
• Campbell Soundstage, "Something For An Empty Briefcase" (17 de julio de 1953).
• Studio One Summer Theater, "Sentence of Death" (17 de agosto de 1953).
• Danger, "Death Is My Neighbor" (25 de agosto de 1953).
• The Big Story, "Rex Newman, Reporter for the Globe and News" (11 de septiembre de 1953).
• Omnibus, "Glory In Flower" (4 de octubre de 1953).
• Kraft Television Theater, "Keep Our Honor Bright" (14 de octubre de 1953).
• Campbell Soundstage, "Life Sentence" (16 de octubre de 1953).
• Kraft Television Theater, "A Long Time Till Dawn" (11 de noviembre de 1953).
• Armstrong Circle Theater, "The Bells of Cockaigne" (17 de noviembre de 1953).
• Robert Montgomery Presents the Johnson's Wax Program, Harvest (23 de noviembre de 1953).
• Danger, "The Little Women" (30 de marzo de 1954).
• Philco TV Playhouse, "Run Like A Thief" (5 de septiembre de 1954).
• Danger, "Padlocks" (9 de noviembre de 1954).
• General Electric Theater, "I'm a Fool" (14 de noviembre de 1954).
• General Electric Theater, "The Dark, Dark Hour" (12 de diciembre de 1954).
• U.S. Steel Hour, "The Thief" (4 de enero de 1955).
• Lux Video Theatre, "The Life of Emile Zola" (10 de marzo de 1955) — aparecido en una entrevista promocional para Al este del Edén emitida después del programa.
• Schlitz Playhouse of Stars, "The Unlighted Road" (6 de mayo de 1955).

Consiguió dos nominaciones a los Premios Oscar.

Año	Categoría	Película	Resultado
1956	Mejor Actor	Gigante	Candidato
1955	Mejor Actor	East of Eden	Candidato

Reportajes sobre el:

1. Jump up ↑ Sessums, Kevin (23 de marzo de 2011). «Elizabeth Taylor Interview About Her AIDS Advocacy». Consultado el 24 de marzo de 2011.
2. Jump up ↑ Anuncio James Dean 1955

 Entro en la lista de Ganadores del premio Globo de Oro por su papel deleznable de texano en Gigante y años después consiguió por su aureola de fama post-carrera su placa en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Joan Fontaine, Recuerda.

Quien recuerde la película sabrá pronto sobre quien hablamos,Joan de Beauvoir de Havilland nació el 22 Octubre de 1917), fue conocida siempre por Joan Fontaine, is a British American actress. Born in Japan to British parents, de Havilland and her older sister Olivia de Havilland moved to California in 1919. Fontaine began her career on the stage in 1935 and signed a contract with RKO Pictures that same year. In 1941, she earned an Academy Award nomination for Best Actress for her role in Rebecca, directed by Alfred Hitchcock. The following year, she won the Academy Award for Best Actress for Hitchcock's Suspicion (1941) making Fontaine the only actress to ever win an Academy Award in a film directed by Hitchcock. Fontaine and sister de Havilland are the only siblings to have won lead acting Academy Awards. During the 1940s to the 1990s, Fontaine continued her career in roles on the stage and in radio, television and film. She released her autobiography, No Bed of Roses, in 1978. After a career spanning over 50 years, Fontaine hizo su última aparición en 1994. Fontaine currently lives in Carmel-by-the-Sea, California where she owns a home, Villa Fontana. Fontaine, along with sister Olivia de Havilland, Luise Rainer, Maureen O'Hara, Jane Withers and Shirley Temple, are the last of the great Hollywood female movie stars from the 1930s. Sus primeros años Fontaine was born in Tokyo, Japan, to parents from the United Kingdom. Su padre, Walter Augustus de Havilland was a patent attorney with a practice in Japan, y su madre, Lilian Augusta era una conocida actriz who had left her career after going to Tokyo with her husband – she would return to work after her daughters had already won fame in the 1940s, with the stage name of Lillian Fontaine. De Havilland's parents married in 1914 and separated in 1919, when Lilian decided to end the marriage after discovering that her husband used the sexual services of geisha girls; the divorce was not finalized, however, until February 1925. She was reportedly a sickly child who developed anaemia following a combined attack of the measles and a streptococcal infection. Taking a physician's advice, their mother moved Fontaine and her sister to the United States.[3] The family settled in Saratoga, California, and Fontaine's health improved dramatically. She was educated at Los Gatos High School, and was soon taking diction lessons alongside her elder sister. When she was 16 years old, Fontaine returned to Japan to live with her father. There she attended the American School in Japan, graduating in 1935. Career from the trailer for The Women (1939) Fontaine made her stage debut in the West Coast production of Call It a Day in 1935 and was soon signed to an RKO contract. Her film debut was a small role in No More Ladies (1935) (in which she was billed as Joan Burfield). Although Fontaine, on contract with RKO, had already made her screen appearance in No More Ladies, a series of other minor roles followed, in A Million to One (1937) and Quality Street (1937), opposite Katharine Hepburn. The studio considered her a rising star, and touted The Man Who Found Himself as her first starring role, placing a special screen introduction, billed as the "new RKO screen personality" after the end credit.[6] She next appeared in a major role alongside Fred Astaire in his first RKO film without Ginger Rogers: A Damsel in Distress (1937) but audiences were disappointed and the film flopped. She continued appearing in small parts in about a dozen films, including The Women (1939) but failed to make a strong impression and her contract was not renewed when it expired in 1939. Fontaine's luck changed one night at a dinner party when she found herself seated next to producer David O. Selznick. She and Selznick began discussing the Daphne du Maurier novel Rebecca, and Selznick asked her to audition for the part of the unnamed heroine. She endured a grueling six-month series of film tests, along with hundreds of other actresses, before securing the part some time before her 22nd birthday. Rebecca, starring Laurence Olivier alongside Fontaine, marked the American debut of British director Alfred Hitchcock. In 1940, the film was released to glowing reviews and Fontaine was nominated for an Academy Award for Best Actress.[5] Fontaine did not win that year (Ginger Rogers took home the award for Kitty Foyle), but Fontaine did win the following year for Best Actress in Suspicion, which co-starred Cary Grant and was also directed by Hitchcock. This is the only Academy Award winning performance directed by Hitchcock. During the 1940s, Fontaine excelled in romantic melodramas. Among her memorable films during this time were The Constant Nymph (1943) (for which she received her third Academy Award nomination), Jane Eyre (1944), Ivy (1947), and Letter from an Unknown Woman (1948). Her film successes slowed a little during the 1950s and she also began appearing in television and on the stage. She won good reviews for her role on Broadway in 1954 as Laura in Tea and Sympathy, opposite Anthony Perkins. She also appeared in numerous radio shows during the 1940s for the Lux Radio Theater. Later career During the 1960s, Fontaine continued her stage appearances in several productions, among them Private Lives, Cactus Flower and an Austrian production of The Lion in Winter. Her last theatrical film was The Witches (1966), which she also co-produced. She continued appearing in film and television roles throughout the 1970s and 1980s, and was nominated for an Emmy Award for the soap opera, Ryan's Hope in 1980. Fontaine's autobiography, No Bed of Roses, was published in 1978. In 1982, she was head of the jury at the 32nd Berlin International Film Festival. Fontaine last film role was in the 1994 television film Good King Wenceslas. She currently resides at her estate, Villa Fontana, in Carmel-by-the-Sea, California where she spends her time in her gardens and with her dogs. For her contribution to the motion picture industry, Fontaine has a star on the Hollywood Walk of Fame at 1645 Vine Street. Personal life Fontaine holds dual citizenship; she is British by birth (both her parents were British) and became an American citizen in April 1943.

Marriages and children Fontaine has been married and divorced four times. Su primer marido fue el actor Brian Aherne in 1939 in Del Monte, California y se divorcio en abril de 1945. En Mayo de 1946, se casa con el actor/producer William Dozier in Mexico City. La pareja tuvo una niña, Deborah Leslie, in 1948 y se separa en 1949. En 1950, Fontaine argumento para la causa de divorcio abandono. En enero de 1951 quedaron divorciados. Fontaine's third marriage was to producer and writer Collier Young on 12 November 1952. They separated in May 1960 and Fontaine filed for divorce in November 1960. Their divorce was finalized in January 1961. Fontaine's fourth and final marriage was to Sports Illustrated golf editor Alfred Wright, Jr. They married on 23 January 1964 in Elkton, Maryland, and divorced in 1969. While in South America for a film festival in 1951, Fontaine adoptó a una niña Peruana de 4 años de nombre Martita. Fontaine met Martita when she was visiting Incan ruins where Martita's father worked as a caretaker. Martita's parents allowed Fontaine to become Martita's legal guardian in order to give the child a better life. Fontaine promised Martita's parent she would send the girl back to Peru to visit when Martita was 16-years-old. When Martita turned 16, Fontaine bought her a round-trip ticket to Peru to visit her parents but Martita refused to go and opted to run away. Fontaine and Martita have been estranged since the incident occurred. While promoting her autobiography in 1978, Fontaine addressed the issue stating, "Until my adopted daughter goes back to see her parents, she's not welcome. I promised her parents. I do not forgive somebody who makes me break my work. In 1996, The New York Post reported that Fontaine was also estranged from her birth daughter, Deborah. Rivalidad Fontaine recogió el Oscar en 1942 con Gary Cooper. Ella y su hermana son las únicas que rivalizaran y consigan tener los premios de la Academy Awards. La rivalidad siempre estuvo en las dos hermanas, de Havilland siempre fue la primera en ser actriz; pero Fontaine que trataba de seguir su estela pero la madre parecía favorecer a la mayor por lo que ella rechazo el apellido familiar. La Fontaine se vio forzada a a inventar un nombre primero Joan Burfield, and finalmente se decanto por Joan Fontaine. Biographer Charles Higham records that the sisters have always had an uneasy relationship, starting in early childhood when de Havilland would rip up the clothes Fontaine had to wear as hand-me-downs, forcing Fontaine to sew them back together. A large part of the resentment between the sisters allegedly stemmed from Fontaine's perception that de Havilland was their mother's favorite child. Both de Havilland and Fontaine were nominated for an Academy Award for Best Actress in 1942. Fontaine won that year for her role in Alfred Hitchcock's Suspicion over de Havilland's performance in Hold Back the Dawn. Charles Higham states that Fontaine "felt guilty about winning given her lack of obsessive career drive...". Higham has described the events of the awards ceremony, stating that as Fontaine stepped forward to collect her award, she pointedly rejected de Havilland's attempts at congratulating her and that de Havilland was both offended and embarrassed by her behavior. Several years later, de Havilland remembered the slight and exacted her own revenge by brushing past Fontaine, who was waiting with her hand extended, because de Havilland allegedly took offense at a comment Fontaine had made about de Havilland's husband. De Havilland's relationship with Fontaine continued to deteriorate after the two incidents. Charles Higham has stated that this was the near final straw for what became a lifelong feud, but the sisters did not completely stop speaking to each other until 1975. According to Fontaine, de Havilland did not invite her to a memorial service for their mother, who had recently died. De Havilland claims she informed Fontaine, but Fontaine brushed her off, claiming she was too busy to attend. Charles Higham records that Fontaine has an estranged relationship with her own daughters as well, possibly because she discovered that they were secretly maintaining a relationship with de Havilland. Both sisters have refused to comment publicly about their feud and dysfunctional family relationships, though in an interview with John Kobal, Fontaine stated categorically that the so-called rivalry was a pure hoax, cooked up by the studio publicity hounds. In a 1979 interview, Fontaine says the reason she stopped speaking with her sister was because de Havilland wanted their mother (who was suffering from cancer) operated on at the age of 88. Fontaine also says that when their mother died, de Havilland didn't even bother to phone to find out where she could be reached (Fontaine was on tour). Instead, de Havilland sent a telegram, but it was delivered to Fontaine two weeks later at her next stop. Filmografía Titles of filmes: 1935 No More Ladies Caroline 'Carrie' Rumsey Credited as Joan Burfield 1937 A Million to One Joan Stevens 1937 Quality Street Charlotte Parratt Uncredited 1937 The Man Who Found Himself Nurse Doris King 1937 You Can't Beat Love Trudy Olson 1937 Music for Madame Jean Clemens 1937 A Damsel in Distress Lady Alyce Marshmorton 1938 Maid's Night Out Sheila Harrison 1938 Blond Cheat Juliette 'Julie' Evans 1938 Sky Giant Meg Lawrence 1938 The Duke of West Point Ann Porter 1939 Gunga Din Emmy 1939 Man of Conquest Eliza Allen 1939 The Women Mrs. John Day (Peggy) 1940 Rebecca Mrs. deWinter Nominated - Academy Award for Best Actress 1941 Suspicion Lina Won - Academy Award for Best Actress Won - New York Film Critics Circle Award for Best Actress 1942 This Above All Prudence Cathaway 1943 The Constant Nymph Tessa Sanger Nominated - Academy Award for Best Actress 1943 Jane Eyre Jane Eyre 1944 Frenchman's Creek Dona St. Columb 1945 The Affairs of Susan Susan Darell 1946 From This Day Forward Susan Cummings 1947 Ivy Ivy 1948 Letter from an Unknown Woman Lisa Berndle 1948 The Emperor Waltz Countess Johanna Augusta Franziska 1948 You Gotta Stay Happy Dee Dee Dillwood 1948 Kiss the Blood Off My Hands Jane Wharton 1950 September Affair Marianne 'Manina' Stuart 1950 Born to Be Bad Christabel Caine Carey 1951 Darling, How Could You! Alice Grey 1952 Something to Live For Jenny Carey 1952 Othello Page Uncredited 1952 Ivanhoe Rowena 1953 Decameron Nights Fiametta/Bartolomea/Ginevra/Isabella 1953 Flight to Tangier Susan Lane 1953 The Bigamist Eve Graham 1954 Casanova's Big Night Francesca Bruni Alternative title: Mr. Casanova 1956 Serenade Kendall Hale 1956 Beyond a Reasonable Doubt Susan Spencer 1957 Island in the Sun Mavis Norman 1957 Until They Sail Anne Leslie 1958 A Certain Smile Françoise Ferrand 1961 Voyage to the Bottom of the Sea Dr. Susan Hiller 1962 Tender Is the Night Baby Warren 1966 The Witches Gwen Mayfield Alternative title: The Devil's Own work of Television 1953-1954 Four Star Playhouse Trudy 2 episodes 1956 The Ford Television Theatre Julie Episode: "Your Other Love" 1956 Star Stage Episode: "The Shadowy Third" 1956 The 20th Century Fox Hour Lynne Abbott Episode: "Stranger In the Night" 1956-1957 The Joseph Cotten Show Adrienne 2 episodes 1956-1930 General Electric Theater Various roles 5 episodes 1959 Westinghouse Desilu Playhouse Margaret Lewis Episode: "Perilous" 1960 Startime Julie Forbes Episode: "Closed Set" 1960 Alcoa Presents: One Step Beyond Ellen Grayson Episode: "The Visitor" 1961 The Light That Failed Hostess Television film 1961 Checkmate Karen Lawson Episode: "Voyage Into Fear" 1962 The Dick Powell Show Valerie Baumer Episode: "The Clocks" 1963 Wagon Train Naomi Kaylor Episode: "The Naomi Kaylor Story" 1963 The Alfred Hitchcock Hour Alice Pemberton Episode: "The Paragon" 1965 The Bing Crosby Show Mrs. Taylor Episode: "Operation Man Save" 1975 Cannon Thelma Cain Episode: "The Star" 1978 The Users Grace St. George Television film 1980 Ryan's Hope Paige Williams 5 episodes Nominated - Daytime Emmy Award Outstanding Guest/Cameo Appearance in a Daytime Drama Series 1981 Aloha Paradise 2 episodes 1981 The Love Boat Jennifer Langley Episode: "Chef's Special/Beginning Anew/Kleinschmidt" 1983 Bare Essence Laura 2 episodes 1986 Crossings Alexandra Markham Miniseries 1986 Hotel Ruth Easton Episode: "Harassed" 1986 Dark Mansions Margaret Drake Television film 1994 Good King Wenceslas Queen Ludmilla Television film work in Broadway 30 September 1953 – 18 June 1955 Tea and Sympathy Laura Reynolds 26 December 1968 – 7 November 1970 Forty Carats Ann Stanley Awards and nominations 1940 Academy Award Best Actress Rebecca Nominated 1941 Academy Award Best Actress Suspicion Won 1941 NYFCC Award Best Actress Suspicion Won 1943 Academy Award Best Actress The Constant Nymph Nominated 1947 Golden Apple Award Most Cooperative Actress Won 1980 Daytime Emmy Award Outstanding Guest/Cameo Appearance in a Daytime Drama Series Ryan's Hope Nominated

Steve McQueen el rebelde de la velocidad.

   Volviendo a las tareas de biógrafo por mucho que haya quien no quiera reconocer que lo soy por culpa de la aparición de tanto personaje amateur que hoy se dedica a escribir sobre todo tipo de historias no haciendo ver  a los lectores la diferencia de Profesionales que publicamos con amateur que a lo único que aspiran es a entretenerse y pasar el tiempo mostrando cosas y artículos que les gusta. Sin más vamos a retomar la página que estábamos pensando en abandonar por tal razón con uno de los mejores actores del siglo XX.

    Steve un chico rebelde que siguió la máxima de "vive deprisa, muere joven y deja un bonito cadáver" al igual que James Dean, el prefiere las fiestas y la velocidad teniendo una buena colección de motos y vehículos que le llevaran a meterse en algún que otro lio. Además su cara de niño a la vez travieso pero de no romper nunca un plato le hace el prototipo de nuevo galán en los años cincuenta. Tras unas primeras intervenciones empieza a ser conocido como un actor que no utiliza dobles en sus escenas de acción.
Steve McQueen (24 de marzo de 1930, Beech Grove - 7 de noviembre de 1980, Ciudad Juárez) fue un actor norteamericano apodado The king of cool.

    El actor nunca conoció quien fue su padre, pues ya había abandonado a su madre antes de que el naciera y eso le afectó a su desarrollo emocional durante toda su vida. Creció en la casa de su tío, en Misuri, y a los doce años era un joven rebelde. Su tío tomó la decisión de enviarlo con su madre, que vivía en Los Ángeles. En tan sólo dos años fue enviado a un reformatorio y luego vagabundeó hasta alistarse a los Marines en 1947. Cinco años estuvo y considerando que el Estado ayudaba económicamente a los militares para que volviesen a una vida civil, decidió ser actor y comenzó a estudiar en la famosa Actor's Studio (Nueva York).

   En 1955 consiguió su primer papel en Broadway y un año más tarde actuó en papeles secundarios de cine. En 1958 protagonizó The blob  su primer gran papel y durante dos años actuó en una serie de televisión Vivo o muerto que le valió el reconocimiento de la crítica.

    Llegan las películas por las que será recordado Los 7 magnificos 1960, La gran evasión (1963). Fue nominado al Oscar por protagonizar El Yang-tsé en llamas (1966) y Bullit (1968).
   Un McQueen famoso va a ir combinando papeles de acción, como en la película de carreras de coches Le Mans, con papeles serios como Papillon (1973), demostrando que además de estrella era un buen actor. 
    Después de El coloso en llamas, una de las mejores películas de catástrofes 1974, y en la que McQueen trabaja con Paul Newman,
Faye Danaway o William Holden, se retira del cine. Regresa como todas las estrellas cuando se le acaban los fondos en 1978 para actuar en An Enemy of the People.
     El tiempo de retiro lo emplea en su loca afición a disfrutar de las máquinas veloces ya que aprovechaba cada ocasión que se le presentaba para conducir él mismo los vehículos en las escenas de sus películas en las que había persecuciones. Fue uno de los amigos personales en Hollywood del maestro de artes marciales Bruce Lee y se entrenó en Jeet Kune Do.
     En su vida privada siempre fue un cazaflores y fue inestable toda ella, tras el escandalo al enamorarse con Ali McGraw y dejar a la madre de sus dos hijos, un par de años después se caso con su tercera esposa Barbara Brunsvold en enero de 1980, apenas unos meses antes de morir.Steve McQueen murió de cáncer de pulmón el  un 7 de Noviembre de 1980 con la edad de cincuenta años, en Ciudad Juárez, Chihuahua (México).

 

Estuvo en la famosa lista negra de la secta del asesino Charles Manson: La familia. En cuanto se enteró que Sharon Tate fue asesinada y que él podía ser el próximo decidió armarse. 

Su nieto Steven R. McQueen es también actor.

Filmografía

• Cazador a sueldo (1980)
• Tom Horn (1980)
• An Enemy of the People (1978)
• Infierno en la torre - El coloso en llamas (1974)
• Papillon (1973) al lado de Dustin Hoffman.
• La huida (1972)
• Junior Booner (1972)
• Le Mans (1971)
• The Reivers (1969)
• Bullitt (1968) con Robert Vaught.
• El caso de Thomas Crown (1968)
• El Yang-Tsé en llamas (1966)
• Nevada Smith (1966)
• El rey del juego (1965) junto al maestro del juego E.G.Robinson.
• Baby the Rain Must Fall (1965)
• Amores con un extraño (1963) junto a Natalie Wood.
• Soldier in the Rain (1963)
• La gran evasión (1963) con un reparto lleno de estrellas en esta superproducción.
• The War Lover (1962)
• Hell Is for Heroes (1962)
• The Honeymoon Machine (1961)
• Los siete magníficos (1960) con 7 stars que comenzaban a despuntar.
• The Great St. Louis Bank Robbery (1960)
• Cuando hierve la sangre (1959) al lado de Charles Bronson y Frank Sinatra
• The Blob (1958)
• Never Love a Stranger (1958)
• Somebody Up There Likes Me (1956)

  En cuanto a premios no consiguió nunca alzarse con el Oscar lo que hace que se convierta en otro icono injustamente tratado por la meca del cine en el que hoy en día cualquiera consigue la estatuilla por trabajos nada destacables.

Su única nominación fue el

Año	Categoría	Película	Resultado
1966	Mejor Actor	The Sand Pebbles	Candidato

 

Sarita Montiel is dead.

Sara Montiel said was the latin woman more famous in the Hollywood star sistem.
She worked with Burt Lancaster,Charles Bronson,Gary Cooper, Mario Lanza, Rod Steiger... She married with the director Anthony Mann famous for your films of westerns with the star Jimmy Stewart, and films as La caida del imperio Romano, El Cid, both in spain.
She was dead at 85 years old in your home of Madrid. She rip in the San Justo cementery.
In the filmography are:
Veracruz, Serenate, Yuma, La violetera, El último cuplé, Carcel de mujeres,Varietes, 5 almohadas para una noche, El capitán Veneno, Locura de amor and sang fumando espero, la pulga, tapame tapame, la tarantula...
She was a famous womar for many lover in your life. Names than fomous with G.Cooper, Severo Ochoa, M.Mihura, Pepe Thous with was married, Raf Vallone, Giancarlo viola was the end.

Charlie Chaplin o el mundo engaño es.

Charles Spencer Chaplin el famoso masón que ascendio por pertenecer a la oscura organización al igual que John Wayne entre otros grandes del cine, era de los pocos en que descendia de la gente del teatro, sus padres eran unos pobres cantantes y actores de variedades de origen judío. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, era menuda, graciosa y con una agradable voz, lo que la dio reconocimiento. El nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su alcoholismo, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos, Sydney y Charles. Estaba en un momento alto en su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción y el empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.

El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un actor infantil. En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.

A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Mark Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizaba su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.

Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida,conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles y otros directores. El genero Charlotada ya estaba en ciernes de lo que iba a ser en el futuro, toda profesión le valía para ir ganándose al publico situación tras situación frente a la desconocida pantalla del cine mudo ayudado por los pianos en las salas como ayuda musical, así llegó como bailarín, camarero, Charlot de conquista, ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana. Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos.

Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin se hizo allí el protagonista absoluto, y en la mayoría de ellos su partenaire era Edna Purviance. A recordar A Night in the Show, The Champion, The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine mudo.

La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920 y el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus costosos dólares.

También en 1918 como masón se involucro en apoyar la entrada de su país adoptivo en la guerra,realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria.

Chaplin en El circo (1927)

En 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith  habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle) y pagó un millón de dólares al divorciarse.

En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. Durante 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo por obvias razones, su voz no era muy deseada por el público como vio truncarse en el futuro su carrera pero en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía. Esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.

En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos),un clásico del cine y una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del capitalismo.

Al desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazi-fascismo, en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y un Hitler mitómano y paranoico, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, (Hannah),por su madre fallecida en 1928. Chaplin y Paulette se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería por fin a su lado el resto de su vida.

Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola de persecución de los rojos por el maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Anti-norteamericanas. En 1950, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.

Chaplin con su última esposa, Oona O'Neill

Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966) con Marlon Brando, Sofía Loren y el mismo que fue un rotundo fracaso por lo que decidió retirarse tanto como director como actor.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir su único Oscar honorifico, por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de la fotografía, el español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre. Éste murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977, la tragicomedia hasta el final. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Merimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público. También cabe recordar su formula de congraciarse las simpatías con sus compañeros de profesión al repartir dividendos de sus películas con todos sus equipos artísticos durante toda su vida.